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Diez películas, Diez historias… (2ª parte)
Fernanda Bargach-Mitre
14/07/2007


En esta oportunidad he elegido films profundos, de esos de los que no se sale ileso. He tomado nuevamente esta última década para destacar películas que marcaron pauta, de cita obligada para los buscadores del buen séptimo arte. Se trata de cine intenso, de contenido, que desafía el intelecto y mueve las emociones. Son fotogramas que se nos graban irremediablemente en la memoria y nos hacen festejar el mejor cine de autor.

Nota: En esta saga no pretendo hacer una antología de las mejores películas de la década, de hecho en esta entrega me han quedado muchas cintas excelentes por fuera que tendré que retomar en próximas entregas. Se trata de una selección completamente subjetiva de diez películas sobresalientes

DogVille (2003): Una propuesta arriesgada

Cuando hablamos de Lars Von Trier, hablamos de unos de los exponentes más importantes de este siglo en lo que a cine de autor se refiere. Su Dogma 95, que buscaba alejarse de las artificialidad estética de las producciones en serie, sostenía en uno de sus principios básicos la necesidad de que el cine se atuviera a filmar exclusivamente de manera realista o más aun, naturalista. Este director danés despierta polémica con cada uno de sus films y es amado y odiado en la misma proporción por los críticos y espectadores. Independientemente de las reacciones extremas que suscitan sus creaciones, estamos frente a un artista, un buscador, un genio del séptimo arte. Un director que constantemente intenta reinventar la narrativa cinematográfica, experimentar nuevas formas de contar una historia y producir películas únicas, que permanecen por muchos años en la memoria del espectador. En Dogville, se desmarca de la filosofía del Dogma 95 y se acerca al teatro de Bertold Brecht y su propuesta del distanciamiento, con la presencia de un narrador omnisciente que va llevando el relato y nos ayuda a alejarnos de las situaciones, para así reflexionar sobre las mismas. La Película se desarrolla íntegramente en un enorme escenario teatral donde la mayor parte de los edificios no existen, solo hay algunos muebles dentro de los límites de cada casa, dibujados en un piso negro, con pintura blanca. A nivel estético, destaca un excelente trabajo de luces y sonido, junto a una escenografía minimalista en extremo, sin duda con dejos teatrales. El manejo de la cinematografía es atrevido, con intensos, frecuentes y agresivos primeros planos, cenitales, caprichosos cortes, cámara en mano, barrido y travelings, todo dentro de los limites de la ciudad: un escenario rectangular y abierto donde podemos ver que están haciendo cada uno de los personajes. Al ya familiar elemento de la víctima, en esta caso Grace (Nicole Kidman) que llega huyendo a un pueblito perdido en las montañas llamado DogVille, se agrega el factor de la venganza. La ingenuidad, la capacidad de sacrificio, la dignidad, la degradación del hombre por el hombre, la vida en sociedad, el totalitarismo, pero por sobre todo la delgada línea entre el bien y el mal, son algunos de los temas trascendentales tratados en esta cinta.


Pollock (2000): Genio y Demonio

El reconocido actor Ed Harris se estrenó como director y productor, en Pollock, una película intensa, con actuaciones sólidas, que nos relata 15 años en la vida de este torturado artista, hasta su trágica muerte con aroma a suicidio, en 1956. Diez años le llevó a Harris parir este proyecto, que comenzó a obsesionarlo desde que leyera una biografía sobre el pintor. De allí en más, se dedicó a investigar sobre su vida, hasta que finalmente cayó en sus manos el libro ‘Jackson Pollock: An American Saga’ (Premio Pulitzer 1991), en el cual se basó el guión del film y que marcó un punto concreto de partida. Pollock, se desliza entre el retrato de un gran artista y el retrato de un rabioso y violento hombre, que podía autodestruirse (de hecho lo hizo) y ser sumamente cruel con sus seres queridos. En este punto y como toda biografía llevada al cine, Harris se adentra en terreno peligroso y en su relato parece dejar de lado las causas del sufrimiento constante del pintor pero más que nada el lado carismático del mismo. El Jackson Pollock de Harris, es un ser sombrío, extremadamente tímido, inseguro, alcohólico, debatiéndose entre un reconocimiento que anhelaba y detestaba al mismo tiempo. Indudablemente Jackson Pollock, fue un revolucionario de su tiempo. Un vanguardista del Expresionismo Abstracto que dejó su huella en la historia del arte moderno. En esto, jugó un papel fundamental su esposa Lee Krasner, también pintora, excelentemente interpretada por Marcia Gay Harden, quien obtuvo el Oscar a la mejor actriz de reparto. Pollock fue el primer pintor abstracto norteamericano tomado en serio en Europa. Especialmente cuando en 1947 emergió su concepto de pintura en acción: no pintar imágenes sino acciones o lo que algunos llaman revelaciones de los estados inconscientes del artista. En vez de usar pinceles o brochas, fijaba el lienzo sobre el piso y usando palos y cuchillos, tomaba pintura directamente de la lata , empleado la técnica del goteo, a diferentes ritmos, olvidándose completamente de un motivo central, danzando en semi éxtasis alrededor de la tela, moviéndose con precisión, esparciendo color y forma hasta llenarlo todo. En las dinámicas escenas donde Pollock pinta, Ed Harris ofrece una representación integral, especialmente desde el punto de vista físico, ya sea que esté pintando con brocha, con dedos, directamente del tubo o con la técnica de goteo, el actor lo hace con naturalidad y soltura: la manera de torcer la cintura, de caminar semi danzando alrededor de la obra, el parecido físico entre ambos. Todos estos detalles conjugados, hacen de estas escenas un engranaje perfecto entre música, actuación e imagen. Ed Harris y Marcia Gay Harden, hacen una dupla impactante, en este film independiente, en el cual Harris invirtió su propio dinero y un esfuerzo de 10 años. Si bien, como cualquier autobiografía, puede ser criticada por dejar fuera esto o aquello, la película nos acerca al alma del artista, un espíritu creativo, como tantos otros de la historia, en el clásico contraste entre la adicción que lo destruía y el arte que lo reinventaba.


Sideways (2004): Los caminos de la vida

Sideways, dirigida por Alexander Payne, un interesante director de corte independiente que tiene en su haber películas con calidad dramática y pocos efectos especiales, como el sutil drama ‘About Schmidt’ o la cínica comedia ‘Election’. Un creativo enfocado principalmente en contar historias cercanas al espectador, que reflejan la condición humana en su faceta más realista y cotidiana. Considerado por muchos como un director de culto, ha logrado en Sideways (Entre Copas) un film sólido, que sin grandes despliegues de celebridades de renombre, logra excelentes actuaciones de sus protagonistas, actores casi siempre relegados a roles secundarios, que demuestran su pasta en base a un excelente guión que tiene la virtud de ofrecer la poesía de la vida, entre diálogos que expresan con precisión las vicisitudes y pensamientos de seres comunes y corrientes. La película cuenta la historia de dos amigos de la universidad que emprenden un viaje en auto por los viñedos californianos: Miles (Paul Giamatti), es un típico perdedor, profesor de primaria, medio depresivo, pesimista, pero que acaba de escribir su primera novela y tiene aspiraciones de publicarla y finalmente cumplir su sueño de convertirse en escritor. En contraposición su amigo Jack (Thomas Haden Church), es un actor fracasado pero optimista y aventurero, que está a punto de casarse y ve en este viaje la oportunidad de hacer algunas travesuras antes de pisar el altar. En el camino tropezarán con dos mujeres, una mesera llamada Maya (Virginia Madsen), que se sentirá atraída por el introvertido Miles y Stephanie (Sandra Oh) que iniciará un tórrido romance con Jack, ignorando que está comprometido. El personaje central, interpretado magistralmente por Paul Giamatti, es el corazón del film. Este dulce y atormentado ser, que encuentra placer solo en la catación de vinos, tema en el cual es un experto, logra tocarnos la fibra más profunda con sus inseguridades y su fragilidad emocional. El tema del vino, merece un párrafo aparte. A través de ricas metáforas, la catación de cada vino y la descripción que hacen los personajes de lo que sienten al probarlo, expresan significados profundos de la vida, estados de ánimo, actitudes ante cada día. Entre copas, el film se va colando y nunca pierde el ritmo a pesar de estar basado en las mismas anécdotas mil veces contadas, los mismos encuentros, desencuentros, amores y desamores. Con cámara certera y un guión sincero, Payne nos da una muestra del cine que nos representa a todos, en nuestra cotidianidad, nuestros fracasos y nuestros momentos felices. Sin artificios, ni complicados giros de trama, la película atrapa en su profunda simpleza, esa que nos refleja y que nos acerca más a lo que somos. Sideways es en suma, la demostración de que el cine basado en los personajes, sin grandes despliegues técnicos, pero con absoluta dedicación a la historia, da a luz un cine que se acerca a la realidad y por ende a nuestras propias vivencias.


Requiem for a Dream (2000): Atrapante pesadilla

CDarren Aronofsky, quien ya había impresionado con su ópera prima ‘PI’ ratificó soberbiamente su talento con este film crudo, que afronta el tema de la adicción como producto de una sociedad plagada de aislamiento y soledad. La historia gira alrededor de Harry (Jared Leto), un drogadicto hijo de Sara Goldfarb (Ellen Burstyn), el mejor amigo de Tyrone (Marlon Wayans) y el novio de Marion (Jennifer Connelly). Sara es una viuda que pasa la mayor parte de su tiempo mirando televisión, comiendo chocolates o chismorreando con las vecinas. Un día recibe una llamada no esperada diciéndole que “ya ha ganado” y que participará en su show preferido de televisión. En un esfuerzo por perder peso y lograr “entrar” dentro de su único vestido elegante, comienza una dieta a base de píldoras que le prescribe un doctor “experto” (aquí la película hace una crítica a la industria médica y sus insensibilidades) . Rápidamente Sara queda enganchada en sus pastillas multicolor, entre ellas una versión ‘aprobada’ del speed, y poco a poco su salud mental comienza a tambalearse. Las historias de Harry, Tyrone y Marion poseen la misma relevancia temporal en el film y en múltiples ocasiones las actuaciones son excelentes. Sin embargo el relato es más convencional en su contenido (nada en Réquiem es convencional en estilo) ya que gira alrededor de la adicción a las drogas: cocaína, speed y especialmente heroína y el trágico mundo 'junkie' que las rodea. En cierta forma todos los personajes están tratando de llenar un vacío en sus vidas. Harry busca amor y felicidad para sentirse realizado. En la persona de Marion encuentra a la mujer cuya hambre emocional coincide con la suya. Pero el amor no es suficiente y la misma intensidad que los une los ata a sus adicciones. Por su parte Tyrone carga el vacío de haber perdido a su madre muy temprano y su anhelo es la seguridad que nunca tuvo cuando niño y que consigue saciar malamente como pequeño traficante y asiduo consumidor. La tragedia radica en que todos los personajes buscan unirse pero ninguno acaba por encontrarse. En la primera mitad de Réquiem, la dirección de Aronofsky es maestra, usa más efectos que Oliver Stone pero siempre al servicio de la historia: cámaras rápidas y lentas, edición tipo Hip-Hop para las escenas de consumo. Si bien se utilizan recursos conocidos como pupilas que se dilatan, jeringas que se llenan, cucharas calentándose, billetes enrollados, etc, la manera en que estos elementos están conjugados junto a una banda sonora poderosa, hace que prevalezca la originalidad sobre el lugar común. Cabe resaltar el magnifico trabajo de edición realizado por Jay Rabinowitz, quien no solo tuvo que entrelazar cuatro historias sino lidiar con múltiples recursos fílmicos usados por el director: pantalla partida al medio, súper close ups, edición ultra rápida, aceleramiento, vibrator-cam, heat-cam, 'sonri-cam' que se liga al cuerpo del actor generando un alto nivel de subjetividad y más de 100 efectos visuales. A nivel técnico esta película es excelente, pero más allá del talento que requiere utilizar la tecnología, lo importante en Réquiem es que la misma está en función de la historia, logrando atravesar la pantalla hasta llegar al espectador. Generalmente uno sale de una película medianamente buena con una cierta sensación, un pensamiento, una emoción. De esta película se sale totalmente movilizado, durante mas de 100 minutos el espectador es literalmente 'parte' de la historia, hasta el punto de sentirse afectado físicamente. Frenética, visionaria, perturbadora, una clase distinta de película de terror definitivamente no recomendable para los de gusto ligero o típicamente hollywoodense. Es una película para valientes y arrojados porque de ella no se sale ileso.


Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004): Originalmente Inolvidable

Charly Kaufman es la mente detrás de un guión ingenioso que nos muestra una historia de amor diferente, de esas que hablan del amor en serio, de la condición humana, de los recuerdos compartidos, de cómo somos entidades alimentadas por nuestra memoria. Un film para aquellos que se preguntan sobre las relaciones humanas, para los amantes del amor, para los nostálgicos y los existencialistas, para los de mente abierta, para los inteligentes y para todos aquellos capaces de remontar un viaje lleno de fantasía surrealista y reflexión. 'Eternal Sunshine Of The Spotless Mind', es la confirmación de que estamos ante uno de los guionistas más talentosos de Hoolywood, que en este caso acompañado del director Michel Gondry, dan vida a una comedia romántica sumamente original. El film parte de la premisa que es posible borrar de la memoria las malas relaciones de pareja. Clementine (Kate Winslet) decide eliminar de sus recuerdos a Joel (Jim Carrey), con quien tuvo una relación intensa y tumultuosa. Joel al enterarse de lo sucedido, acude al mismo doctor para borrar a Clementine de su vida y así poder recomenzar sin ella. El proceso de borrado lleva una noche, en la cual se monitorea el cerebro del paciente y se traza una ruta para borrar solo los recuerdos atinentes a la persona indicada. Durante el procedimiento, la mente de Joel descubre que no quiere borrar a Clementine, pero como se encuentra sedado no puede avisarle a nadie. Su cerebro comienza a buscar escondites para ubicar el recuerdo de su amada, donde la maquina no intente buscarlos. La película nos va narrando la historia de Clementine y Joel, en dos planos narrativos a partir de los recuerdos de este último. Así somos testigos de tanto la época crítica de la relación como de los momentos más felices. Michel Gondry, uno de los mejores directores de videos contemporáneos, nos brinda un film que plantea de manera no trillada el poder del amor y examina temas claves como el destino, la compatibilidad, la tolerancia y como la memoria nos hace lo que somos. El trabajo de fotografía, a cargo de la talentosa Ellen Kuras (Blow), le da aún más fuerza a la cinta, que desborda en colores intensos y ambientes surrealistas, especialmente cuando estamos dentro de la mente de Joel. 'Eterno Resplador', como todos los guiones de Kaufman, se pregunta sobre el sentido de la vida y el destino. Pero en su esencia es una increíble historia de amor, no porque sus participantes sean extraordinarios, sino porque muestra las relaciones de pareja, en su frágil felicidad, su profundidad y su mundana banalidad.


Mar Adentro (2004): La libertad de elegir

En este film el talentoso cineasta español Alejandro Amenabar nos introduce de manera inteligente en el tema de la eutanasia. Esta vez nos sorprende, cambiando radicalmente de género, más no de temática ya que repite el tema de la muerte, pero desde un ángulo completamente disímil. Mientras “Los Otros” era una película de suspenso, “Mar Adentro” es un drama descarnado, presentando con una sutileza tal que el tema de la eutanasia, realmente pasa a un segundo plano en esta película acerca de la libertad de elegir cómo vivir o cómo no hacerlo. El film trata de la vida de Ramón Sampedro, un marino gallego cuadrapléjico que se convirtió en bandera de lucha de quienes favorecen la eutanasia en España y llego a publicar un libro con poesías y pensamientos. A partir de esta premisa se desarrolla una trama sobre el amor, la vida y la muerte. Es la historia de un hombre complejo, interpretado genialmente por Javier Bardem, quien no deja de asombrarnos con su increíble talento. Sanpedro podrá haber estado paralizado de la cabeza para abajo, pero su mente, su encanto, su dignidad y su sentido del humor se mantuvieron en pie. Estos detalles de la naturaleza humana de este ser y de todos aquellos que lo rodearon, son los que conforman esta conmovedora película que nos hace recordar el sentido de vivir y nos hace reflexionar sobre el alcance de la libertad, dónde empieza y termina el respeto por la vida y por la dignidad humana. Verdaderamente la cinta logra meterse bajo la piel, más allá del tema de la eutanasia, está el tema de Ramón como una persona inteligente y creativa paralizado por una enfermedad cruel, que logra luchar por una causa y sentar un precedente en la historia de un país. La obra es un conjunto de detalles artesanales que conforman un todo delicado pero profundo, acompañado de una bella cinematografía y que sobre toda las cosas nos hace reflexionar sobre un tema importante como es el derecho a elegir como vivir o como morir. Imperdible!


Half Nelson (2006): Una joya independiente

Half Nelson es la ópera prima del director Ryan Fleck, quien también co-escribió el guión junto a Ana Boden. Se trata de una película independiente que representa lo mejor del cine indie del año 2006. Es un film duro de digerir, justamente por su toque realista que apoyado en las excelentes actuaciones de Ryan Gosling y Shareeka Eps sale de la pantalla y se nos clava en la memoria. El film se basa en una historia simple: Dan (Ryan Gosling), un profesor de un conflictivo instituto de una zona pobre de Brooklyn, que tiene problemas por adicción a las drogas, entabla una insólita amistad con Drey (Shareeka Eps), una de sus problemáticas estudiantes, cuando ésta descubre su secreto encontrándolo en el baño fumando crack. Todo parece improbable en la historia: El es blanco, ella es negra, el consume drogas, ella no, el es un treintón culto ella una niña en pleno comienzo de su pubertad. Sin embargo algo intangible los une, en sus soledades, en sus vacíos, en sus prisiones internas, en la realidad que no pueden cambiar y establecen una profunda complicidad. Es interesante la manera en se dibujan los personajes y como a partir del tema de la amistad a la vez se pone algunos tópicos candentes sobre la palestra como la paupérrima educación pública norteamericana, el tema de la adicción a las drogas, la utilización de niños para su venta, la pobreza y el abandono familiar reflejando una sociedad en crisis. Recordemos que Dan es profesor de historia y para el momento está enseñando el tema de las libertades individuales y los derechos civiles, lo que es aprovechado por el director para darle un sentido si se quiere político/social al film, cosa que logra naturalmente, incorporándolo a la historia a través de las clases del profesor y de la aparición repentina de niños que tratan algún tema en referencia a los derechos ciudadanos. Nuestro protagonista se las ingenia para consumir drogas pesadas y tener la voluntad de levantarse cada día a enseñar no sólo historia sino deporte, como si convivieran en él dos mundos paralelos, uno idealista que intenta cambiar el mundo y otro depresivo y escapista que se siente preso de la sociedad en que vivimos e impotente de no poder cambiarla. Es un personaje con un toque de ingenuidad pero con un fuerte lado oscuro. Vale la pena destacar el sobresaliente trabajo actoral del actor Ryan Gosling, quien nos eriza la piel con su naturalismo, desprovisto de clichés, totalmente desnudo ante la cámara logrando trasmitir las diferentes facetas de su personaje de manera tal que sentimos que es alguien real. Lo mismo nos sucede con la pequeña Shareeka Eps en su sobresaliente debut. Cerca de las encrucijadas cotidianas que todos debemos enfrentar, el debate moral interno del profesor y sus mundos antagónicos, nos remiten más a la situaciones reales que cinematográficas. Lo mismo sucede con la estudiante que refleja en su comportamiento la sociedad que la rodea. Definitivamente este es un film un poco denso, que sin embargo vale la pena ver. Se trata de esas historias que nos quedan resonando en la memoria, quizás porque su guión no responde a los parámetros normales de principio, nudo y final sino que se extiende como si nos mostrara un fragmento de la existencia de unos desconocidos en un estilo de documental-ficción que ni siquiera podemos decir que tiene un final definido. Ese hecho genera en el espectador la sensación de haber entrado por un rato, en otra realidad tan intensa como la vida misma.


Crash (2005): La intolerancia al desnudo

El productor y escritor Paul Haggis,nos trae con fuerza su ópera prima, Crash, que aborda el no muy simpático tema del racismo y la intolerancia en la ciudad de Los Ángeles. Con un formato narrativo arriesgado, de múltiples personajes y diversas situaciones que van ligándose entre sí , se nos presenta un universo de seres separados por sus creencias y roles sociales, unidos solo por su condición humana pero incapaces de reconocerla en el otro, considerando lo diferente como una amenaza potencial. El film se alzó con el Oscar a la Mejor Película ,Mejor Edición y Mejor Guión Original, demostrando que es buna tanto en su contenido como en su forma. El premio al mejor montaje es realmente merecido por la excelencia en la hilación de las múltiples historias y el galardón al Guión nos ratifica que se trata de una historia profunda. Definitivamente un film excelente que, como la serpiente que se muerde la cola, nos lleva en un viaje circular sobre el tema del racismo y la intolerancia. Al estilo de la genial película Magnolia, las historias se entrecruzan, ligadas generalmente a un accidente automovilístico (de allí el título del film).Así se nos van presentando los distintos personajes. Queda clara la premisa que hoy en día el racismo no se trata solamente del color de la piel, se trata de la diferencia y los estereotipos establecidos. Tenemos la oportunidad de saborear el amargo sabor de la intolerancia, que va desde mínimos detalles hasta actitudes realmente peligrosas. El film esta perfectamente estructurado y dentro de las diversas capas que envuelven a distintos personajes encontramos una sincronía convenientemente perfecta que abusa un poco de la casualidad en aras de mantener una sólida historia. Sin embargo el cometido se alcanza y la película logra impactar, mantener la atención el espectador y dejarlo reflexionando sobre este complejo tema de la discriminación. Quizás la película esté demasiado centrada en los conflictos raciales específicos que se dan en el caldero multi-cultural de los Estados Unidos, sin embargo funciona como muestra de una sociedad al borde de la paranoia, donde la tolerancia ha sido sustituida por el miedo, muchas veces justificado solo por concepciones estereotipadas de las distintas etnias que conviven entre sí. Destaca por consiguiente no solo este absurdo divisionismo en una ciudad cosmopolita, moderna y plagada de gente sino la soledad a que este conlleva, el encierro, el desconocimiento del otro y de todo lo que tienen que ofrecer justamente las diferencias que nos conforman y que hacen a la diversidad del ser humano.

La película nos presenta a un grupo de seres comunes y corrientes, de distintas profesiones y status sociales, precisamente para ejemplificar que estas divergencias raciales son parte de la cotidianidad de Los Ángeles. No solo recomiendo el film por la calidad de su realización sino por su cruda temática, de la que nadie quiere oír pero de la que todos somos participes o cómplices.


Million Dollar Baby (2004): Un K.O. cinematográfico

Cuando tuve la oportunidad de ver Mystic River, quedé impactada por la capacidad de Clint Eastwood para contar historias al mejor estilo del cine clásico, pero sin perder en el proceso a la audiencia, usando un ritmo algo lento, que se entrelaza en historias dramáticas, casi siempre como subtexto de una trama desencadenante, que resulta ser la excusa para adentrarnos en los pasajes más oscuros y nobles de la condición humana. Aún tengo la sensación del drama descarnado de Mystic River y sus escenas de vez en cuando recorren mi memoria. Ese es el efecto que causa una buena película, se inserta en nuestros recuerdos como una vivencia de la cual se desprenden sensaciones y reflexiones que nos ponen a pensar. Million Dollar Baby no es una excepción en la filmografía de Eastwood, es la continuación de un estilo y la confirmación de un talento indiscutible del séptimo arte. Es impecable en su factura, con una fotografía algo ambigua que parece ser de cualquier época, pero de notable dramatismo en escenas claves, con interesantes juegos de luz y sombra. El ritmo en la edición es pausado pero certero, la narrativa algo lenta pero capaz de mantener el interés con giros en la trama que llegan justo a tiempo. La historia está inserta en el mundo del boxeo, pero no es una cinta pugilista sobre la auto superación, este es el mero telón, el subgénero que usa el director para plasmar lo que verdaderamente quiere decir. Se trata de un verdadero drama, que se desarrolla entre tres personajes, signados por la pérdida y un pasado difícil que encontraran en su vínculo una sensación perdida de familia que los llevará a enfrentar las circunstancias más adversas. Es un film movilizador, toca todas nuestras emociones con una trama fatalista y triste, que por momentos encuentra redención y descanso. Con un final polémico y abierto, dejará un dilema moral en el espectador. Imposible no mencionar las excelentes actuaciones de todo el reparto: Hilary Swank logra un personaje humano y creíble. Clint Eastwood está fantástico como el culposo entrenador y para cerrar un impecable Morgan Freeman.. Clint Eastwood, filmó esta película en poco más de un mes, estando envuelto en la producción, la dirección y la actuación. Logro un film sólido, que realmente estremece. Pero este no es el primero de su larga lista, que incluye títulos memorables como 'Bird', 'Los Puentes de Madison', 'Un Mundo Perfecto' y 'Los Imperdonables' y las más recientes como 'Banderas de nuestros padres' (2007)y Cartas desde Iwo Jima (2007) por citar solo algunas. Todas marcadas por un signo pesimista, altamente dramático, con personajes de oscuros pasados y dolorosos presentes….Un grande del cine clásico, profundo y melancólico de los últimos tiempos.


The Constant Gardener (2005): Un acertado golpe a los grandes laboratorios

Fernando Meirelles se estrenó en el cine internacional con la impactante Ciudad de Dios, por la cual fuera nominado al Oscar como mejor director. La película que narra en un estilo crudo, el mundo del narcotráfico, el racismo y la pobreza en las favelas brasileñas logró impactar tanto por su estilo visual como por su contenido. Nuevamente Meirelles retoma la dirección, esta vez con la adaptación de una novela de John Le Carré, que nos introduce en el mundo del espionaje, a través de una historia sustanciosa sobre las componendas de los grandes laboratorios fabricantes de medicamentos y sus experimentos ilegales en el tercer mundo.

' El Jardinero Fiel' es una clásica película de espionaje, que aprovecha el momento coyuntural que ha dado un nuevo espacio al cine crítico y de denuncia social y política. En este caso el foco se centra sobre la industria farmacéutica a través de la historia de un diplomático británico, Justin Quayle (Ralph Fiennes) destinado en Kenya cuya mujer muere en un accidente junto a un hombre sospechoso de ser su amante, un activista defensor de los derechos humanos de la región. A pesar de haber sido siempre un diplomático poco comprometido con las causas sociales, nuestro protagonista no aceptará la versión oficial sobre la muerte de la mujer y se dispondrá a investigar sus sospechas de que ésta fue asesinada. La historia mezcla el presente y el pasado. A través de unos sugestivos flashbacks, introduce la duda dentro de la historia de amor, alejándose de la típica trama de la compañera perfecta y la relación ideal. La esposa, soberbiamente interpretada por Rachel Weisz, es una temeraria activista social, con muchos secretos, pero con la firme convicción de hacer justicia. En su labor descubre que los grandes laboratorios están usando drogas experimentales no aprobadas en pacientes con HIV, sin importar si uno de los efectos secundarios es la muerte. Muy alejado de pintarnos África como un continente maravilloso lleno de animales exóticos, Meirelles con una fotografía saturada nos muestra un continente áspero, arisco y hostil, sumido en la pobreza y el subdesarrollo. Lo mismo sucede con Londres y Ámsterdam, que se ven grises, lluviosas y algo tristes. La impecable y original dirección de Meirelles logra que la película pueda diferenciarse sin ser un film más sobre espionaje. Si bien la premisa de la historia es clásica, el tratamiento estético de la cinta es moderno, con el sello visual y narrativo de su director. Muy al estilo de Ciudad de Dios, retoma la cámara nerviosa, el montaje cortado, planos desenfocados, rápidos primerísimos primeros planos y resoluciones visuales acertadas que producen una sensación de confusión y pérdida, un desasosiego constante e incertidumbre acerca de la verdadera cara de cada personaje y la sombra constante de una teoría conspirativa. El film aunque es basado en la ficción, tiene un estilo documental que transmite veracidad mostrando la falta de ética de los laboratorios y la complicidad de las grandes potencias, en especial la administración británica, directamente implicada con su conveniente silencio y procurando el ajeno usando los métodos necesarios. El castigado pueblo africano es tratado por los laboratorios como conejillos de experimentación, como si sus vidas no contaran, convirtiéndose ésta en una premisa escalofriante. El mérito se lo lleva Meirelles por tratar de manera diferente una historia tal vez ya narrada y la fuerza del film está en su innovadora dirección y acertado ritmo narrativo que combinado con un tema candente dan a luz una excelente película.

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