Como es muy
sabido, para la corriente oficial del arte de nuestro tiempo, controlada
por una frondosa burocracia de dispensadores de significados filosóficos,
sociológicos, políticos o poéticos, vulgarmente
conocidos como curadores, el sentido es algo pasado de moda.
Decepcionada de la claridad, hastiada del significado inteligible y
presa de un voraz eclecticismo, la elite compuesta por las personas
sofisticadas y sedientas de prestigio cultural que frecuentan las grandes
ferias, museos y subastas de arte contemporáneo, desarrolló
una intensa atracción por lo incomprensible.
Su concepción de lo actual, traspasada por un delirio de inminencia,
no se complace sino con el misterio pleno y fecundo, que se abre a un
ilimitado océano de interpretaciones y se prolonga en el misterio
menor del ámbito sagrado, que convierte en arte todo lo que se
coloca entre sus paredes.
Como
bien sabemos, puestos en la feria o el museo, los materiales primarios,
productos industriales o nuevas tecnologías, tales como piedras,
metales, televisores, programas de computación, alimentos envasados
o zapatos ingresan en la misteriosa magia del arte y pasan a cumplir
transitoriamente el papel de alegatos antisistema, reflexiones ecológicas,
metáforas poéticas o investigaciones filosóficas.
De igual manera, y a tono con la ilimitada libertad y la multiplicidad
de sentidos intercambiables que exige el espíritu de la época,
la vertiente de lo creado por el artista, mancha, forma, trazo, texto
o poema, debe eludir cuidadosamente los rasgos de lo explícito,
para cumplir con el atributo de indefinición y de misterio que
permitirá asignarles el significado provisto por el curador.
Pero afortunadamente, debido a la inabarcable complejidad y el enmarañado
pluralismo del mundo real, y para disgusto de quienes se consideran
propietarios del Verdadero y Único Arte de Nuestro Tiempo, en
muchas regiones del planeta proliferan los artistas autónomos,
naturalmente refractarios a integrar la dócil manada que obedece
las instrucciones del sistema, y capaces de ignorar todo aquello que
la sociedad considera apropiado o políticamente correcto, para
concentrarse en sus propias necesidades y tensiones espirituales.
Más allá de la exquisita
calidad de la realización y de las generosas cuotas de ternura
e ironía que ha sabido destilar en su extenso repertorio de escenas
costumbristas y anécdotas extraídas de la actualidad o
de los ritos religiosos, como en el caso de su muestra en la Galería
Marlborough de Nueva York, el condimento de Fernando Botero que me atrapa
de manera irresistible reside en la intensificación del Yo, atributo
responsable de su inconfundible originalidad artística.
Lejos de inducir el aislamiento del artista o de promover una irremediable
incomunicación con el resto de la Humanidad, y dado que, como
decía Montaigne, 'cada hombre lleva en sí la forma
completa de la condición humana', el fenómeno de
la intensificación del yo incentiva el acercamiento y la identificación
emocional del espectador con el autor de la obra y profundiza los lazos
espirituales entre los seres humanos.
Pero la autonomía o independencia espiritual es un factor que
requiere una especial fortaleza, porque su conquista implica la capacidad
de ignorar 'el que dirán' y dejar de lado la compulsión
a complacer las demandas ajenas.
La sensibilidad vuelta hacia el propio yo es el componente fundamental
de las creaciones auténticamente originales, dotadas de la poderosa
elocuencia que en el campo literario distingue, entre tantas obras inolvidables,
a los Ensayos de Montaigne, las confesiones de Rousseau o las memorias
de Chateaubriand y Benvenuto Cellini, todas ellas expresión de
un Yo que se revela con ilimitada franqueza y expone las fantasías,
los delirios y los temores de la condición humana, sin falsos
pudores y sin el temor de caer en la trivialidad o de exponer las propias
miserias y debilidades.
Lejos de suponer una barrera o un abismo que los separa de la sociedad,
esa inmersión en el Yo logra el más extremo acercamiento
que se pueda concebir entre los seres humanos.
En el ámbito de la pintura, la intensificación del yo
es el rasgo generador de la inconfundible originalidad de Leonardo y
Botticelli, Van Gogh y Frida Kahlo, Modigliani y Botero; de todo artista,
en suma, que aspire a construir su propia estética con un lenguaje
inteligible, conmovedor y perdurable, tan alejado de las recetas corporativas
que pretenden regular la totalidad de la producción artística,
como del espejismo del éxito inmediato que induce a complacerlas.
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