Italiana
de nacimiento, aunque reside en Nueva York desde hace años, Vanessa
Beecroft (Génova, 1969), es una de las figuras indiscutibles
del panorama actual.
La artista trabaja la imagen de la
mujer formando cuadros vivientes, creando unas obras provocadoras e
intrigantes, bellas y descabelladas, efímeras aunque apresadas,
en parte, por la fotografía y el video.
Su trabajo se exhibe en galerías,
museos y centros de arte de todo el mundo materializado en fotografías
y videos. Imágenes capturadas de unas acciones artísticas
o performances previas, que son el eje central de su obra.
Al ser la performance, un acto fugaz,
necesita de la fotografía y el vídeo para registrarse.
Aunque estas imágenes obtenidas, no dejan de ser documentos incompletos.
Es decir, son visiones parciales de la verdadera obra de arte, la performance,
compuesta por otros elementos psicológicos y ambientales imperceptibles
por medios mecánicos.
La obra de Beecroft está muy vinculada al universo femenino,
ejecuta normalmente sus performances con grupos de mujeres [Nota
1], desnudas o semidesnudas, que expresan un arquetipo de
belleza similar. Que responde a patrones muy concretos y a ciertos rangos
de edad. Una selección nada casual, con una vinculación
con la propia artista [Nota 2].
Normalmente utiliza modelos delgadas,
que en ocasiones recuerda a la modelo de pasarela desposeídas
de su función de percha [Nota
3]. Privadas de cualquier elemento que pueda expresar su
individualidad, uniformadas y homogeneizadas, permanecen atentas a las
órdenes de Beecroft.
Sin poder hablar, sin poder moverse
de su emplazamiento, sin poder comunicarse con el público, un
pequeño ejército femenino posa obediente. Como estáticas
divinidades ensimismadas, alejadas de la realidad, ajenas a su entorno,
ignorándolo pero interactuando inevitablemente con él
con su presencia. Estas relaciones emocionales son básicas en
la obra de Beecroft, sus trabajos se basna en las relaciones que se
establecen entre las modelos y el público, entre cada uno los
individuos y en el conjunto. Y a la vez, todo este proceso interrelacionado
nace de la interacción de las propias modelos con ellas mismas.
Vanesa Becroft comenzó a realizar estas performances en 1993,
porque tenía la sensación de que la pintura no era el
medio más adecuado para retratar fielmente a un sujeto que está
vivo. Pero su vinculación con la pintura y la escultura, ha seguido
estando muy presente. Según ella, sus obras son pinturas que
se desarrollan lentamente en el tiempo. Y aquí anunciamos un
factor determinante en su trabajo, el tiempo.
Las imágenes durante la performance, van cambiando. El tiempo
ejerce de actor importante en las obras de Beecroft, desmontando el
orden preestablecido. La artista juega con ello. Dicta las condiciones
y permite que el cansancio de las modelos, producido por una larga [Nota
4] e incómoda sesión, desmenuce y haga decaer
la formación inicial. Las frías y artificiosas imágenes,
terminan doblegadas, trasformadas en iconos más mundanos. Abatidas
mujeres, aburridas, sin fuerzas, derrotadas, que miran al infinito y
que terminan sentadas, en cuclillas o tumbadas.
Como en las conocidas imágenes
de VB53, la performance realizada en un invernadero de cristal
y hierro, el Tepidarium de Roster en el Giardino dell’Orticultura
de Florencia, en junio de 2004. Donde, obligadas por el cansancio, las
veintiuna modelos vestidas únicamente con unas sandalias de tacón
terminan tumbadas o sentadas sobre un montículo de tierra oscura,
color café. Y en consecuencia, manchando su cuerpo desnudo. Manos,
codos, muslos, rodillas, glúteos aparecen sucios, con restos
de tierra, dando una mayor sensación de decrepitud, de ser el
final de un proceso, proporcionándole a la performance un efecto
más dramático, más teatral.
En su obra hay un componente autobiográfico
muy marcado, con ciertas pinceladas obsesivas sobre el aspecto de la
mujer [Nota 5]. La
delgadez, la apariencia física, el cuerpo femenino, y la observación
del mismo por parte de la sociedad y de la propia mujer. Un universo
que aflora en toda su obra y que está fuertemente enraizado en
la sociedad occidental, fruto de nuestros anhelos y obsesiones, mezcla
de deseo e imposición.
El espectro de la anorexia frecuentó
su adolescencia y juventud, el control obsesivo del alimento ingerido,
y el ejercicio físico más allá de cualquier límite
fueron constantes en etapas anteriores de su vida. Incluso llegó
a realizar un diario alimenticio en el que detalló cada bocado
dado entre 1983 y 1993, acompañándolo con notas, sobre
las sensaciones de culpabilidad, las visitas psiquiátricas, los
comentarios sobre sus padres, etc.
Esta recopilación obsesiva, casi patológica, es una pieza
capital que marca el inicio de su carrera en 1993 y establece muchas
pautas que se irán repitiendo a lo largo de su trayectoria. En
su primera exposición individual, celebrada en la galería
Inga-Pinn de Milán, Beecroft mostró una serie de acuarelas
[Nota 6] acompañadas
de textos correspondientes a su diario. Ni el diario ni estas acuarelas
íntimas habían sido pensadas para mostrarse en público,
eran una vía de escape privada, una respuesta terapéutica
a sus obsesiones.
Cuando Beecroft decidió exhibir estas huellas
de su lucha contra la anorexia, quiso además elegir a parte de
los asistentes. Confeccionando una performance muy sencilla y elemental,
pero que reforzaba aún más el elemento autobiográfico.
Seleccionó a un grupo de mujeres que había visto en la
calle, muchas de ellas elegidas por su semejanza con la propia artista.
Un vez en la galería, Beecroft modificó el aspecto de
esas treinta muchachas vistiéndolas con ropas suyas y haciéndolas
visualmente más homogéneas, y les indicó que se
movieran alrededor del espacio, sin hacer ruido, guardando cierta distancia
entre ellas. A esta performance la llamó VB01 (Vanessa
Becrooft 01), a partir de ahí, siguiendo la misma pauta, numeró
cronológicamente todas sus performances (VB01, VB02,
VB25, VB45, etc).
A pesar de todo lo dicho sobre sus
obsesiones y problemas de juventud, que han dejado indudablemente una
fuerte impronta en su obra, no hay un mensaje prefijado. Cada persona
puede pensar lo que quiera, vivir la experiencia a su modo y sacar sus
conclusiones particulares.
Beecroft es muy coherente con su trabajo,
no reivindica nada, no lucha públicamente contra nada. En sus
performances muestra el cuerpo femenino una y otra vez, pero sus razones
son más artísticas y expresivas que literarias o sociales.
Y si hay algún contenido de fondo, este no es otro que la normalización
del desnudo y del cuerpo de la mujer, siempre con un punto de provocación,
pero sin abanderar ninguna causa.
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Para
saber más
Nota
1: A excepción de dos performances, en las que contó
con modelos masculinos. VB39, realizada en 1999 en el Museo
de Arte Contemporáneo de San Diego y de VB42, que tuvo
lugar en el año 2000, en el Space Museum de Nueva York.
Nota 2: Vanesa Beecroft
busca que sus modelos se identifiquen con ella misma, para ello antes
de ser seleccionadas deben superar numerosos cuestionarios.
Nota 3: En principio
las modelos para sus performances eran voluntarias ahora cuenta con
profesionales. Su reputación ha ido creciendo y con ella el presupuesto
con el que cuenta. En la actualidad también trabaja con maquilladores
profesionales y, apuntándose a la estela de su fama, diseñadores
de renombre como Prada, Tom Ford, Helmut Lang, Dolce & Galbana o
Manolo Blahnik, entre otros, han prestado o creado muchas de las ropas
y los complementos que usan las modelos durante sus performances.
Nota 4: Por ejemplo,
en VB46, performance realizada en Los Ángeles en 2001.
Beecroft dispone a veinte mujeres en silencio, todas con el sexo depilado,
pelucas rubias, las cejas teñidas de rubio, los labios pintados
de un color pálido y zapatos de tacón blancos, durante
tres horas en una sala de la Galería Gagosian.
Nota 5: Su trabajo,
como ya hemos apuntado, tiene mucho de autobiográfico. Sus performances,
son autorretratos en los que cede el protagonismo a unas modelos, pero
a las que sin embargo traspasa todos sus miedos, ansiedades y obsesiones.
Nota 6:
Se trata de una colección de dibujos y acuarelas de muchachas
que luchan contra desórdenes alimenticios. Dibujos muy simples
y esquemáticos, casi infantiles, pero que reflejan dolorosamente
sus obsesiones y fantasmas.
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Publicado originalmente en SUMA Revista científica
de Estudios Histórico-artísticos nº 6-7 ISSN:
1698-5869
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DATOS
DEL AUTOR:
Marc Montijano Cañellas
(n. 1978, Vic, Barcelona), artista visual y performer, es también
un destacado investigador. Doctor en Historia del Arte por la Universidad
de Málaga, Experto en Organización y Gestión de
Empresas Culturales, y Postgrado en Gestión Cultural por la Universitat
Oberta de Catalunya. Tiene una amplia experiencia académica y
profesional en diversas instituciones y empresas culturales. Sus principales
líneas de investigación en la actualidad son: el arte
de acción, con especial atención a los trabajos realizados
en España y Latinoamérica; el estudio de los procesos
creativos y el desarrollo del proyecto; y el papel de las nuevas tecnologías
en la difusión y autonomía del arte actual.
proyecto; y el papel de las nuevas tecnologías en la difusión
y autonomía del arte actual.
