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AGENDA DE EXPOSICIONES

Leopoldo Pomés. Flashback
Lugar:
Fundació Catalunya-La Pedrera
Dirección:
Paseo De Gracia, 92, 08008 Barcelona, España.
Fecha:
Desde el 10 de marzo hasta el 12 de julio de 2015


Una de las fotografías que pueden verse en la muestraSe trata de una exposición antológica dedicada al fotógrafo, publicista, cineasta, dibujante, poeta, empresario y gastrónomo catalán Leopoldo Pomés (Barcelona, 1931), uno de los nombres indiscutibles de la fotografía contemporánea catalana de la segunda mitad del siglo XX, Pomés ha mostrado a lo largo de su dilatada carrera una pasión constante por la imagen.
En la exposición se reúnen un total de 148 fotografías, más de 50 spots publicitarios y diversa documentación gráfica, como los proyectos para libros de fotografía, la creación y producción de filmes, su breve incursión en el cine, la realización de vídeos documentales y los proyectos empresariales en el campo de la restauración.
La muestra recorre minuciosamente el vasto universo creativo de Pomés, uno de los referentes indiscutibles de la fotografía y la publicidad española contemporánea, desde sus inicios vinculados al grupo Dau al Set hasta la actualidad.


Imagen:
Una de las fotografías que pueden verse en la muestra.


Paul Cowan. Lágrimas de cocodrilo
Lugar:
L 21 Gallery
Dirección:
c/ Doctor Fourquet, 1. 28012, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 21 de marzo hasta el 16 de mayo de 2015


COWAN, Paul , UNTITLED, (Detalle), anzuelos de pesca sobre lienzo, 195 x 130 cm., 2015Las paredes de la galería han sido repintadas con una pintura al látex corriente. El artista ha mezclado con la pintura un aceite esencial de muguet (lirio de los valles) cuyo olor se va agotando lentamente en el espacio.
En las paredes, cuelgan sus nuevas obras monocromas con anzuelos. Se trata de una serie de lienzos que hacen hincapié en el registro sutil de arrugas y pliegues y en todo su pasado material. Estas obras están perforadas con anzuelos de pesca; anzuelos pintados a mano que pertenecen a varias tipologías según el tipo de forma de “cucharas” o “moscas”.
Se trata de elementos atados manualmente al lienzo, como si de una marca o logo comercial se tratara, que evidencian así su tendencia expansiva mientras exploran la superficie plana del lienzo. Enfatizan el concepto de montaje propio de la pintura y se extienden más allá.


Imagen:
COWAN, Paul ,UNTITLED (Detalle), anzuelos de pesca sobre lienzo, 195 x 130 cm., 2015.


Velázquez
Lugar:
Gran Palais de París
Dirección:
3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris, Francia.
Fecha:
Desde el 25 de marzo hasta el 13 de julio de 2015


VELAZQUEZ, Diego, Baltasar Carlos con enano, Museum of Fine Arts, Boston, © Museum of Fine Arts, BostonSe trata de la primera gran exposición que Francia dedica al artista español. En ella se exhibirá unas 120 piezas incluidas obras tan emblemáticas como 'La Venus del espejo' (propiedad de la National Gallery de Londres) o 'La fragua de Vulcano' (del Prado). También podrán verse dos obras que se expondrán por primera vez al público, ambas recientemente descubiertas: "La Educación de la Virgen", procedente de la Yale Art Gallery de New Haven, en Estados Unidos; y el "Retrato del inquisidor Sebastián de Huerta", propiedad de un particular.
La muestra ofrece una visión de conjunto de la obra del artista, desde sus inicios en Sevilla hasta sus últimos años y de la influencia que su arte ejerció en sus contemporáneos. Incide en las variaciones de estilos y de temas de las primeras composiciones de Velázquez, el paso por el naturalismo, la influencia de Caravaggio así como en su habilidad a la hora de ejecutar paisajes, retratos y pinturas históricas.


Imagen:
VELAZQUEZ, Diego, Baltasar Carlos con enano, Museum of Fine Arts, Boston, © Museum of Fine Arts, Boston.


Julio Díaz Rubio. Love Bites
Lugar:
La Hormiga Galería
Dirección:
Calle Tercia, s/n 14800 Priego de Córdoba, España.
Fecha:
Desde el 28 de Marzo hasta el 7 de Junio de 2015


DÍAZ RUBIO,  Julio, Estudio de El burdel de Europa, óleo sobre papel, 70x50cm., 2014.La mayoría de su trabajo empieza siendo de investigación. Prueba diferentes estilos hasta que se da cuenta de lo que realmente quiere plasmar, siendo la realidad y la visión de lo que le rodea, teniendo que estar siempre presente en sus obras el color, la luz, el movimiento y lo cotidiano.
"Habiendo crecido en la era del videoclip, de la publicidad, la imagen media, me he ido familiarizando con sus códigos y de una manera casi instintiva me he ido haciendo verdaderamente consciente del poder y del uso desmedido de la imagen subliminal. Cómo lo que parece imperceptible al ojo, queda perfectamente retenido y sintetizado en nuestro cerebro. El carácter agresivo, imperativo y visceral de estas imágenes carga de deseo un contexto aparentemente neutral. La pintura que me atrapa y que me ha pellizcado durante toda mi vida ha sido precisamente la que ha reunido y mantenido esta tensión de carácter agresivo, y es que hay un proceso muy placentero y morboso en el descubrimiento y desciframiento del misterio; o ni tan siquiera esto, con formar parte de él nos basta".
Sus óleos son un gran paso más hacia su mirada interior, hacia su modo de querer interpretar el mundo. En ellos podemos ver su fascinante modo de entrar en la realidad a través de una paleta poderosa que retrata a su familia, a sus amigos y a la mujer, que es una fascinación constante en su arte.


Imagen:
DÍAZ RUBIO, Julio, Estudio de El burdel de Europa, óleo sobre papel, 70x50cm., 2014.


El primer Picasso
Lugar:
Museo de Belas Artes da Coruña
Dirección:
C/ Paio Gómez, 14 A Coruña, España.
Fecha:
Desde el 20 de febrero hasta el 24 de mayo de 2015


PICASSO, Pablo, Don José Ruiz de perfil, A Coruña, 1895, óleo sobre lienzo. 52 x 32 cm. Col. privada. Fotografía © Béatrice HatalA través de más de doscientas piezas, de las cuales 81 son de Picasso, puede verse un recorrido por unos años fundamentales en la formación de Pablo Ruiz Picasso, los que transcurren desde su llegada a la ciudad, en octubre de 1891, hasta su marcha en abril de 1895. Fueron unos años intensos durante los cuales Picasso conoció el amor, padeció la muerte de una persona muy querida (su hermana), inició su formación académica, recibió la influencia de artistas gallegos contemporáneos, tuvo su primer mecenas (Ramón Pérez Costales), creó sus primeras obras destacadas y protagonizó su primera exposición, de la cual se cumplen ahora 120 años.
La muestra reúne, junto a obras del artista creadas en la ciudad gallega, piezas posteriores, pero que guardan relación con ese período, obras de pintores contemporáneos de Picasso y que ejercieron influencia sobre él, y abundante documentación y objetos relacionados con esta producción gallega. La colaboración de los herederos del artista, instituciones, coleccionistas privados y los principales museos picassianos del mundo (París, Barcelona y los dos de Málaga) ha permitido reunir un extenso conjunto de obras que posibilitan, junto a la aportación de investigaciones recientes, el estudio en profundidad de la obra temprana del genio.


Imagen:
PICASSO, Pablo, Don José Ruiz de perfil, A Coruña, 1895, óleo sobre lienzo. 52 x 32 cm. Col. privada. Fotografía © Béatrice Hatal.


México: Identidad Fantástica
Lugar:
Museo de Arte Latinoamericano de Long Beach (MOLAA)
Dirección:
628 Alamitos Avenue, Long Beach, CA 90802, EE.UU.
Fecha:
Desde el 14 de marzo hasta el 5 de julio de 2015


KAHLO, Frida, Mi vestido cuelga aquí, óleo y collage sobre fibra dura, 46 x 50 cm., Galería de Hoover, San Francisco, California, EE.UULa muestra ofrece un recorrido por los diversos movimientos artísticos que definieron momentos históricos importantes del México del siglo pasado.
Entre las más de sesenta obras que recopila esta muestra de la colección privada FEMSA se encuentran trabajos de la época del cubismo que Diego Rivera completó en 1914 durante su estancia en París, como la obra 'El grande de España'. La pieza realizada por el muralista David Alfaro Siqueiros, confeccionada con materiales industriales y a la que bautizó 'Mujer Dormida' (1947), 'Mi vestido cuelga aquí' (1933), de Frida Kahlo; 'Septiembre', de Ángel Zárraga, Gabriel Fernández Ledesma, 'El Flautista' (1952); así como pinturas del muralista José Clemente Orozco.
El movimiento de La Ruptura, un periodo que dio lugar al nacimiento de nuevas formas artísticas en México, está representado en esta exhibición con una obra de José Luis Cuevas.
La muestra, que también incluye fotografías de Manuel Álvarez Bravo y Graciela Iturbide.


Imagen:
KAHLO, Frida, Mi vestido cuelga aquí, óleo y collage sobre fibra dura, 46 x 50 cm., Galería de Hoover, San Francisco, California, EE.UU.


Diego Rivera and Frida Kahlo in Detroit
Lugar:
Detroit Institute of Arts
Dirección:
5200 Woodward Avenue, Detroit, Michigan 48202, EE.UU.
Fecha:
Desde el 16 de marzo hasta el 12 de julio de 2015


RIVERA, Diego, bocetos para el mural Industria de Detroit, 1933La exposición se compone de 69 piezas de Diego Rivera y Frida Kahlo, de diferentes técnicas artísticas como pintura, fresco, dibujo, gráfica y fotografía, provenientes de una serie de colecciones mexicanas, estadunidenses e inglesas, de instituciones culturales y de particulares, como la Fundación Robert Brady, Museo Dolores Olmedo, colección Juan Coronel y de Lily Levin.
Caben destacar los dibujos que sirvieron de bocetos para el mural Industria de Detroit en 1933 de Rivera, pertenecientes a la colección de arte pública que tiene el Instituto de Artes de Detroit, rescatados, como el resto de la misma, de ser subastados para pagar la deuda de la ciudad. En cuanto a Frida destacan obras como Henry Ford Hospital o Autorretrato en la frontera entre México y Estados Unidos.
La muestra tiene la particularidad de explorar el turbulento y productivo año que los artistas mexicanos Diego Rivera (1886-1957) y Frida Kahlo (1907-1954) pasaron en Detroit, año que supuso un detonante de cambio en su quehacer artístico. En el caso de Diego se dio un cambio en su arte, mientras Frida halló ahí la construcción de su figura artística. Se trata de un discurso expositivo, a partir de las obras creadas en esa ciudad en los años de la Depresión que vivieron los Estados Unidos.


Imagen:
RIVERA, Diego, bocetos para el mural Industria de Detroit, 1933.


William Kentridge. Fortuna
Lugar:
Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM
Dirección:
Insurgentes Sur 3000, Delegación Coyoacán, C.P. 04510, México D.F., México.
Fecha:
Desde el 14 de marzo hasta el 21 de junio de 2015


KENTRIDGE, William, Dibujo para el filme Stereoscope, 1999, carboncillo y pastel sobre papel.La exposición está concebida como una estructura-instalación, que ocupa toda la sala nueve del Museo, está compuesta por 38 dibujos, 184 grabados, 35 esculturas y 27 películas. Pero son las películas, sin duda, las piezas que mejor muestran los procesos y problemáticas que tanto inquietan a este artista nacido en Johanesburgo en 1955 y que en sus obras hace referencia al colonialismo, al apartheid y la comisión de la verdad, los migrantes, la memoria, las violaciones de derechos humanos.
Las películas de Kentridge están hechas con sus propios dibujos; narra microhistorias donde los personajes son seres a menudo solitarios, donde hay escenas cargadas de ternura o de humor, pero también escenas de dolor, persecuciones, enfermedad, un vacío profundo. En ellas, hechas casi siempre en el gris del carboncillo y con algunas líneas azules, un objeto se deforma en un paisaje y luego pasa a ser una persona o un animal. Hay referencias a los inicios del cine, y la música clásica o una ópera acompañan las piezas.
La selección de las obras resalta la interrelación de disciplinas, en lugar de centrarse en temas, se toma el concepto de Fortuna como un punto de acceso a la obra de Kentridge. Su obra transita libremente a través de cine, escultura, grabado, libros de artista, performances y obras de teatro.


Imagen:
KENTRIDGE, William, Dibujo para el filme Stereoscope, 1999, carboncillo y pastel sobre papel.


García de Marina. NIMIUS
Lugar:
Galería Viki Blanco – El Arte de lo Imposible
Dirección:
C/Jacobo Olañeta 10, Gijón, España.
Fecha:
Desde el día 20 de marzo hasta el 18 de abril de 2015


Una de las obras de la muestraNimio significa que algo es pequeño, insignificante, minucioso. Este adjetivo procede del latín “Nimius” y fue utilizado hasta el siglo XVIII con un significado contrario al actual. Hasta entonces Nimius significaba que algo era grande o excesivo, pero por un error o una interpretación incorrecta, comenzó a utilizarse con el significado actual.
Este juego de palabras, con un doble significado, da título a la colección de fotografías de la nueva exposición de García de Marina. El autor utiliza objetos de la vida cotidiana, para darles un significado diferente para el que fueron creados, reparando en la grandeza de lo mínimo.
La muestra está integrada por 21 fotografías, en donde el creador gijonés sigue reinventando la realidad. Cuatro de las historias están formadas por secuencias de 2 ó 3 imágenes, donde aúna el realismo y el surrealismo.


Imagen:
Una de las obras de la muestra.


Yayoi Kusama: Obsesión infinita
Lugar:
Centro de las Artes 660 / CA 660
Dirección:
Rosario Norte 660, nivel -2, Las Condes, Santiago de Chile, Chile.
Fecha:
Desde el 7 de marzo hasta el 7 de junio de 2015


KUSAMA, Yayoi, Infinity Mirror Room – Phalli’s Field (Sala de espejos del infinito – Campo de falos), 1965-2013La muestra reúne más de 100 obras, entre papeles, pinturas, esculturas, videos e instalaciones envolventes, realizadas entre 1950 y 2013.
Destacan en esta exposición Infinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life (Sala de espejos del infinito – Plena del brillo de la vida), que busca invitar a los espectadores a dejar en suspenso su propia percepción para sumarse en el viaje que Kusama hace hacia la anulación; I’m Here, but Nothing (Estoy aquí, pero nada), donde el neón y los puntos fluorescentes crean toda la experiencia en una habitación que la artista adapta a su presentación en cada país, al incorporar elementos autóctonos (en Chile, por ejemplo, cajas de cereal, revistas y vino nacionales); The Obliteration Room (La habitación del borramiento), cuarto blanco que el público intervendrá con lunares de colores a lo largo de la muestra; y el Infinity Mirror Room – Phalli’s Field (Sala de espejos del infinito – Campo de falos), el primero de una serie de ambientes envolventes en los que la participación del espectador activa y completa el significado de la obra.
Se incluyen, además, un grupo de pinturas tempranas; sus esculturas blandas conocidas como Accumulations (Acumulaciones), objetos cotidianos como bolsos, sillas, escaleras de mano y zapatos cubiertos con elementos rellenos de tela que se asemejan a falos; la serie Infinity Net (Red infinita), realizada a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, pinturas que se distinguen por la repetición obsesiva de pequeños arcos que siguen patrones rítmicos mayores; y Kusama’s Self-Obliteration, un filme cargado de escenas sexuales y formalmente experimental que, según Larratt-Smith, es una de las obras clave de esta exposición, porque sintetiza todos los aspectos y variantes de la obra de Kusama.


Imagen:
KUSAMA, Yayoi, Infinity Mirror Room – Phalli’s Field (Sala de espejos del infinito – Campo de falos), 1965-2013.


Tàpies: From Within
Lugar:
Pérez Art Museum
Dirección:
1103 Biscayne Blvd., Miami, EE.UU.
Fecha:
Desde el 6 de febrero hasta el 3 de mayo de 2015


TÀPIES, Antoni, Embolcall (Wrapping), 1994, técnica mixta sobre madera 98 x 118 cm.,© Fundació Antoni Tàpies/VEGAP, 2013Se trata de una importante exposición retrospectiva de la obra de Antoni Tàpies. La muestra cuenta con una selección de más de 50 pinturas y esculturas de grandes dimensiones, que representan diversos momentos de la carrera del artista. Se incluyen desde obras tempranas hasta sus últimas obras creadas en 2011.
Esta retrospectiva ofrece una visión única de la práctica artística de Tàpies, que fusiona materiales pobres con símbolos de la cultura oriental y occidental para crear obras matéricas y de una gran gestualidad. Su práctica alquímica mezcla cuestiones espirituales y existenciales con las investigaciones que realizaba con los materiales, las marcas, las incisiones y los objetos que encontraba a su alrededor. La exposición muestra una visión íntima y poco común de su obra, a través de una selección de obras procedentes exclusivamente de su propia colección privada y la de la Fundació Antoni Tàpies.


Imagen:
TÀPIES, Antoni, Embolcall (Wrapping), 1994, técnica mixta sobre madera 98 x 118 cm.,© Fundació Antoni Tàpies/VEGAP, 2013.


Equipo Crónica
Lugar:
Museo de Bellas Artes de Bilbao
Dirección:
Museo Plaza, 2. 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el de 10 de febrero hasta el 18 de mayo de 2015


EQUIPO CRÓNICA, La fotografía o El personaje, óleo, collage y acrílico sobre lienzo, 162 x 130 cm., 1980La muestra incorpora cerca de ciento cincuenta piezas provenientes de numerosas colecciones públicas y privadas. Pinturas, esculturas, dibujos, grabados, carteles y documentación original se articulan en diversas series que recogen los inicios y la trayectoria del Equipo Crónica.
La exposición se articula en nueve capítulos. Estampa popular de Valencia y los comienzos de Equipo Crónica, en el que se muestran obras de la etapa de Estampa Popular y la creación del Equipo Crónica por la necesidad de trabajar con temas más cercanos a la actualidad social y política del momento. Comenzó así el uso de imágenes procedentes de los medios de comunicación y de la publicidad con un enfoque sistemáticamente reflexivo. Primeras Series (1967 – 1971), sección en la que se muestran los trabajos de la serie La recuperación, en la que contraponen imágenes de los medios de comunicación de masas con otras procedentes de la pintura española de los siglos XVII y XVIII y Guernica 69 una serie que relata el ansiado retorno de la obra más célebre del siglo XX a nuestro país.
La tercera serie de este periodo es Autopsia de un oficio, una reflexión sobre el oficio de pintar concentrado en otro ejemplo paradigmático de la pintura española, Las Meninas. Serie Policía y cultura (1971). Esta serie fue realizada durante un periodo de excepción motivado por el miedo al final agitado de un régimen, un ambiente de represión que les sirvió a los artistas para realizar grandes pinturas que fueron expuestas en el Colegio de Arquitectos de Cataluña. La Serie Negra (1972) es la más homogénea: la violencia y las escenas de acción de la novela policíaca y el cine negro fueron el referente de todas estas obras. Una serie en la que la ficción funciona como metáfora de un clima genérico de violencia que afecta al ámbito de la creación pictórica. La Serie de Retratos, Bodegones y Paisajes (1972 – 1973) trata de buscar nuevos efectos técnicos y enfatizar los elementos propios de la pintura que, irónicamente, se extienden al marco de las obras. En A vueltas con la pintura (1973 – 1975), frente a las propuestas neovanguardistas de los años setenta, el Equipo Crónica ofrece una imagen de normalidad que en ver y hacer pintura que parece apuntar hacia cierta crisis creativa que da inicio a un periodo de búsquedas y de series inacabadas. Dos obras fundamentales de este periodo son Guernica cortado y Testigo ocular.
¿Un arte político? Encuentros de Pamplona. El cartel. El paredón. La trama (1972) trata de la vuelta al enfoque político explícito en el ideario de Equipo Crónica que tuvo lugar durante los Encuentros de Pamplona, para ello crearon 100 múltiples de cartón piedra caracterizados como agentes de la brigada político-social.
La muerte de Franco en 1975 dio paso a un enorme cambio en su trabajo y sus relaciones profesionales. La partida de Billar (1977), recoge la iconografía decadente de un antiguo salón de billar valenciano, enfatizando los aspectos narrativos y las cualidades pictóricas, extraídos a partir de imágenes tomadas por ellos mismos. Esta serie contiene algunos de los puntos más altos de la producción del equipo.
Y por último, el capítulo de las Últimas series (1977 – 1981), que supone el final de la trayectoria de Equipo Crónica marcado por la muerte de Solbes en 1981. Durante estos años trabajaron en diversas series como Los viajes o Paisajes urbanos.


Imagen:
EQUIPO CRÓNICA, La fotografía o El personaje, óleo, collage y acrílico sobre lienzo, 162 x 130 cm., 1980.


De la geometría a los pespuntes. Tratados, manuales y sistemas de corte y confección
Lugar:
Biblioteca Nacional de España (BNE)
Dirección:
Paseo de Recoletos, 20 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 17 de febrero hasta el 24 de mayo de 2015


Página de Modelos de invierno 1933-34, de Carmen Martí de Missé, BNELa muestra recoge una selección de tratados, patrones y revistas de moda, de los fondos de la BNE, desde finales del siglo XVI hasta los años cuarenta del siglo XX. Un recorrido histórico del que sobresalen las publicaciones que desde mediados del siglo XX vieron la luz, muchas de ellas gracias a la iniciativa de mujeres que han teorizado y dejado huella en sistemas con nombre propio.
Todo se desarrolla en cinco ámbitos: el primero, dedicado a la reflexión sobre el traje como objeto de interés ante los nuevos límites territoriales, y la formulación del primer tratado de sastrería impreso en España en 1580. Las obras destacadas en este espacio son las de Joan Alcega, Libro de geometría, práctica y traça: el cual trata de lo tocante al oficio de sastre; Jost Amman, Habitus praecipourum populorum; Cesare Vecellio, Habiti anitchi et moderni di tutto il mondo; y un Códice de trajes del siglo XVI.
Bajo el epígrafe Líneas y números. Geometria y Aritmética se exponen libros de sastrería impresos en España entre el siglo XVI y principios del siglo XVIII: Joan Alcega, Francisco de la Rocha, Martín de Andújar y Juan de Albayceta.
En Sastres y teóricos, podrá contemplarse una selección de los tratados de sastrería que se publicaron a lo largo del siglo XIX, entre los que destacamos los de Ramón Arnau, Pascual Sánchez Sacristán, Francisco Bergadá y Gil Moreno.
El cuarto apartado está relacionado con la investigación llevada a cabo por modistas y maestras en el siglo XIX, que publicaron sus métodos y sistemas, algunos de ellos con privilegios y patentes de invención, como los de Carmen Ruiz Alá, María Ibero Soteras o Serapia Rodríguez Pascual.
Por último, un lugar para el magisterio y la costura, el acercamiento a la enseñanza del corte y de la confección y su inclusión en los planes de enseñanza femenina, desde mediados del siglo XIX hasta bien entrado el siglo XX, con obras como La madre de familia o tratado de corte y confección, Manual de la moda elegante, Sistema Martí, Sistema Ferrer, o los sistemas de corte y confección a distancia.


Imagen:
Página de Modelos de invierno 1933-34, de Carmen Martí de Missé, BNE.


Garry Winogrand
Lugar:
Fundación Mapfre
Dirección:
Bárbara de Braganza, 13, Madrid, España.
Fecha:
Desde el de 25 de febrero hasta el 3 de mayo de 2015


WINOGRAND, Garry, Nueva York, años 1950, Gelatina de plata, Garry Winogrand Archive, Center for Creative, Photography, University of Arizona © The Estate of Garry Winogrand, cortesía Fraenkel Gallery, San FranciscoLa exposición se abre con las fotografías tomadas por Winogrand en Nueva York, desde 1950 hasta 1971.
Los inicios de su carrera están ligados a su labor como fotorreportero para revistas ilustradas de difusión masiva como Life, Sports Illustrated o Look, no obstante pronto abandonará esta dedicación para centrarse en una nueva cultura fotográfica vinculada al mundo del arte.
A inicios de la década de los sesenta Winogrand comenzó a trabajar con el objetivo gran angular que le permitió enriquecer sus composiciones. Marineros, mujeres, manifestantes, actos políticos, parejas, presidentes, hippies, animales, desfiles, boxeadores se suceden, incansables en su catálogo de imágenes fruto de un trabajo voraz y entusiasta.
Las fotografías de Bajando desde el Bronx son testimonios de un periodo agitado de la historia americana; la década de los 50, marcada por la recuperación tras la Segunda Guerra Mundial y en la que EEUU vive una época de crecimiento económico y un desarrollo cultural, sin olvidar episodios como la Guerra de Corea-; hasta los años de agitación sociopolítica que acompañaron a la Guerra de Vietnam, agravamiento de la "guerra fría", con su punto de máxima tensión en la "crisis de los misiles", o el asesinato de Kennedy, entre otros.
En Un estudioso de Norteamérica retrata el periodo de agitación de los años 60 Winogrand fotografía las numerosas manifestaciones y su trabajo llega a reflejar un sentimiento de desintegración nacional. Sus fotografías se vuelven más centrífugas y expuestas al accidente, es así como el fotógrafo embebe a su tomas del caos y el enardecimiento del momento histórico.
Auge y crisis muestra su última etapa tras su salida de Nueva York en 1971 hasta su muerte en México en 1984. Winogrand abandona Nueva York primero para dar clases en Chicago, y luego viaja a Texas y a Los Ángeles. Entre 1970 y 1980 los temas de Winogrand continuaron siendo los mismos, no obstante sus imágenes van perdiendo la alegría y exuberancia de antaño para transmitir una sensación de desolación hasta entonces, ausente en su obra.


Imagen:
WINOGRAND, Garry, Nueva York, años 1950, Gelatina de plata, Garry Winogrand Archive, Center for Creative, Photography, University of Arizona © The Estate of Garry Winogrand, cortesía Fraenkel Gallery, San Francisco.


Frida Kahlo-Sus fotos
Lugar:
Museo Marta Herford
Dirección:
Goebenstr. 2–10 32052 Herford, Alemania.
Fecha:
Desde el 1 de febrero hasta el 10 de mayo de 2015


MURAY, Nickolas, Frida stomach down, 1946, © Museo Frida Kahlo, Mexico CityExposición donde se pueden apreciar más de 200 fotografías en blanco y negro del archivo privado de la emblemática artista mexicana Frida Kahlo. Imágenes de la familia, de desconocidos y fotos de ella misma. También fotografías de famosos fotógrafos como Man Ray o de su amiga Tina Modotti.
Las fotos muestran a Frida de picnic con sus amigos, en días alegres en La Casa Azul o una pequeña foto de su marido Diego Rivera con la marca de unos labios pintados de rojo. Sin embargo, también se pueden ver imágenes de sus problemas de salud.
Durante largo tiempo las más de seis mil fotografías de la colección permanecieron ocultas en un armario de la casa de la artista en Ciudad de México conocida como La Casa Azul, que hoy alberga el museo Frida Kahlo.


Imagen:
MURAY, Nickolas, Frida stomach down, 1946, © Museo Frida Kahlo, Mexico City.


500 años sin Aldo Manuzio: Mercaderes en el templo de la literatura
Lugar:
Museo de la Biblioteca Nacional de España
Dirección:
Pº de Recoletos 20-22 28071 Madrid, España.
Fecha:
Desde 10 de febrero hasta el 19 de abril de 2015


Triunfo de pan. Hypnerotemachia Polifili. Venecia: Aldo Manuzio, 1499. BNE. INC/1357La muestra presenta nueve ejemplares salidos de las prensas de Aldo Manzuio, un gramático apasionado por la lengua y la literatura griegas. Podrán verse libros incunables y antiguos del gran impresor renacentista. Una muestra bibliográfica que nos descubre la importancia de su labor cultural como creador de la primera editorial literaria, la invención del libro de bolsillo o la impresión de los más bellos y misteriosos libros de todos los tiempos, como el Polífilo
En 1489, casi cuatro décadas después de la invención de la imprenta, llega a Venecia, centro impresor de Europa, Aldo Manuzio.
Manuzio se convierte en el primer impresor humanista en elaborar un catálogo y en mostrar una preocupación por editar libros atractivos para quienes pueden permitirse el lujo de comprarlos y están cansados de la falta de rigor de las impresiones habituales. Además se lanza a un terreno apenas probado por la naciente industria de la impresión: la edición de los textos inaugurales de la cultura occidental en su lengua original, el griego clásico.
Ediciones con novedades en la caja de texto con espacio para ilustrar a mano y tipografía romana exquisita. El propio Manuzio se puso al frente de sus ediciones con prólogos que incitaban a valorar, leer y comprar los textos que imprimía e ideó catálogos de precios de sus obras para difundir entre libreros y mercaderes. Se trata del nacimiento de la primera editorial literaria, muy semejante ya a las que conocemos hoy.
A él le debemos el libro más bello y misterioso del mundo, El sueño de Polifilo, considerado la primera novela gráfica de la historia; además de la idea de reducir a tamaño octavo el formato de los libros literarios lo que supuso un aumento, no sólo de su producción, sino también de su fama.


Imagen:
Triunfo de pan. Hypnerotemachia Polifili. Venecia: Aldo Manuzio, 1499. BNE. INC/1357.


Books beyond Artists
Lugar:
Ivorypress Space
Dirección:
c/ Comandante Zorita, 48 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 24 de febrero hasta el 9 de mayo de 2015


Novel•la, Antoni Tapiès, 1965, Cortesía de Fundació Tapiès.La exposición contará con ediciones provenientes de colecciones privadas como las de Ben Brown (Reino Unido), Jean-Claude Meyer (Francia), Thaddaeus Ropac (Francia/Austria), Norman y Elena Foster (Suiza/EE. UU.), Archivo Lafuente (España) y Ivorypress (España), entre otras; estudios de artistas como los de Olafur Eliasson (Alemania), Roni Horn (EE. UU.), Jenny Holzer (EE. UU.), Miquel Barceló (Francia) y Peter Sacks (EE.UU.), y diversas instituciones y entidades como el Victoria and Albert Museum (Reino Unido), la Fundació Antoni Tàpies (España) y el Brodsky Center (EE. UU.), entre otras.
Se expondrán también libros de artista publicados en las últimas décadas por editoriales como Toluca (Francia), Onestar Press (Francia), RVB Books (Países Bajos) Lecturis Books (Países Bajos), Steidl Verlag (Alemania), Turner Libros (España) y Limited Editions Club (EE. UU.), además de los editados por Ivorypress.
Estarán presentes libros objeto o ediciones muy reducidas realizadas por artistas contemporáneos como Paul McCarthy o Anselm Kiefer, que convivirán con libros pictóricos y escultóricos donde el texto es mínimo o inexistente. Son obras que dejan todo el protagonismo a la imagen, a la escultura o a la pintura. En esta sección la muestra contará con ediciones realizadas por Francisco de Goya, William Kentridge o Anthony Caro, entre otros. Además la exposición incluirá libros de artista realizados por figuras del arte contemporáneo como Louise Bourgeois o Damien Hirst.
En algunos de los ejemplares, el diseño y los materiales escogidos son el centro de atención. Desde el plegado del papel en libros como los de Ed Ruscha, John Baldessari, Lucio Fontana o Hiroshi Sugimoto, hasta el uso de materiales naturales como en la edición de Richard Long. En otros, en cambio, el libro se convierte en vehículo para expresar una protesta o manifiesto, como en el caso de las obras de Filippo Tommaso Marinetti, Santiago Sierra o Martin Parr. La muestra cuenta también con libros en los que la palabra es la única protagonista, como en aquellos de Jenny Holzer o Isidoro Valcárcel Medina.
Otra línea de creación que aparece con frecuencia en los libros de artista es aquella en la que se establece un diálogo entre la literatura y las artes plásticas. Colaboraciones históricas entre artistas y poetas como el libro de Aleksandr Ródchenko realizado junto a Vladímir Mayakovski y otros ejemplos que ilustran o dan forma material a textos literarios de escritores como Octavio Paz o Stéphane Mallarmé de la mano de pintores como Robert Motherwell o Balthus.
Finalmente, el fotolibro también estará representado en la exposición Books beyond Artists con obras de diversas épocas, de artistas tales como Henri Cartier-Bresson, Sophie Calle, Miguel Rio Branco o Ai Weiwei.

Imagen:
Novel-la, Antoni Tapiès, 1965, Cortesía de Fundació Tapiès.


Los Silencios de Colón de Cristóbal Gabarrón
Lugar:
China Art Museum de Shanghai
Dirección:
Pudong, Shanghai, China.
Fecha:
Desde el 16 de enero hasta el 16 de julio de 2015


Cartel de la muestraLa serie escultórica 'Los Silencios de Colón' rinde tributo a los silencios o misterios en torno a la figura del explorador y navegante Cristóbal Colón. Trata de diez obras cargadas de simbolismos con el fin de generar una inquietud en el espectador. Fue creada por Gabarrón en 2006 y desde entonces ha recorrido el planeta mostrándose en emblemáticos lugares como el Paseo del Prado de Madrid o el Central Park y Broadway de Nueva York.
Estas piezas que componen la muestra juegan con el entorno urbano, adaptándose a las formas y colores más variados. La monotonía y la ausencia de color tienen sus contrapuntos en estas obras que, bajo el estándar de la cultura y el conocimiento de los significados de un esquema y una forma abierta y libre, invita al espectador a reflexionar, a abrir un breve paréntesis en su rutina diaria y a observar cómo el arte rompe con los muros de la intransigencia e intolerancia.


Imagen:
Cartel de la muestra.



...y además

GIACOMETTI. El hombre que mira
Desde el 31 de enero hasta el 3 de mayo de 2015
http://www.fundacioncanal.com


Miquel Mont, Nunca es suficiente
Desde el 13 de febrero hasta el 25 de abril de 2015
http://www.fundaciosunol.org


Pierre Alechinsky
Desde el 19 de febrero hasta el 17 de mayo de 2015
http://www.circulobellasartes.com

Muestrario, de José Antonio Suárez Londoño
Desde el 20 de febrero hasta el 5 de abril de 2015
http://www.lacasaencendida.es

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