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AGENDA DE EXPOSICIONES

Alberto Reguera: The unknown universe
Lugar:
Serena Morton Gallery
Dirección:
343 Ladbroke Grove, London, W10 6HA, Reino Unido
Fecha:
Desde e l 15 de septiembre hasta el 21 de octubre de 2016


REGUERA, Alberto, Evanescents Paths, acrílico sobre lienzo, 100cm. diámetro, 2016Para esta ocasión el artista considera el espacio como un elemento más de trabajo a partir del cual articular toda la exposición. Las dos salas de la galería poseen una estructura rectangular y alargada, Reguera ha apostado por formatos sinuosos, circulares u ovalados, para generar así un contraste con el marco.
Excepto algunos grandes formatos, dos grandes paisajes abstractos, y dos pequeñas piezas de instalación, casi todas las obras giran en torno al circulo o la elípsis, y están realizadas durante 2016.
Una treintena de obras pictóricas funcionan en su conjunto como una secuencia narrativa cuyo hilo conductor es la línea del horizonte que, a veces, divide en dos la composición. Muchas de las obras se centran en el concepto de universo cósmico; otras, en la representación de planetas imaginados.

Imagen:
REGUERA, Alberto, Evanescents Paths, acrílico sobre lienzo, 100cm. diámetro, 2016.


Kazimir Malevich. Retrospectiva
Lugar:
Fundación Proa, en La Boca
Dirección:
Av. Pedro de Mendoza 1929, La Boca, Caminito, Buenos Aires, Argentina
Fecha:
Desde el 13 de septiembre hasta noviembre de 2016


MALEVICH, Kazimir. Black Cross, 1923, Colección The State Russian MuseumSe trata de la primera retrospectiva del artista ruso Kazimir Malevich (Kiev, 1878 - Leningrado, 1935) en latinoamérica, producida y organizada por la Fundación Proa junto con el State Russian Museum, y comisariada por Eugenia Petrova.
La exhibición presenta un recorrido cronológico por toda su obra. Desde los inicios de su carrera con las pinturas simbolistas, su paso por el Cubo-Futurismo, el inicio del Suprematismo y las extraordinarias pinturas sobre campesinos, paisajes urbanos y sus célebres retratos.
El Suprematismo encabezado por Kazimir Malevich, adquiere una gran dimensión en la historia del arte cuando, con su famoso Cuadrado Negro en 1915, se abandona la figuración y es considerado el nacimiento del arte abstracto. El Suprematismo es un punto fundamental de la muestra, acompañado de una gran documentación sobre su influencia.
En la muestra, en la que podrá verse 60 pinturas, también se incluye sus trajes para la ópera "La Victoria Sobre el Sol" realizada en 1913 por Matiushin, Kruchenij y Malevich, de vital importancia, dado su carácter revolucionario y rupturista. Esta obra es considerada un hito de la experimentación de las vanguardias; así como una extensa documentación sobre la vida y el contexto social y político en el que se desarrolló.

Imagen:
MALEVICH, Kazimir. Black Cross, 1923, Colección The State Russian Museum.


Yoko Ono. Dream Come True
Lugar:
Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA)
Dirección:
Av. Figueroa Alcorta 3415 C1425CLA Buenos Aires, Argentina
Fecha:
Desde el 24 de junio hasta el 31 de octubre de 2016


Cartel de la exposiciónPrimera exposición retrospectiva en Argentina de Yoko Ono (Tokio, 1933), pionera y figura ineludible del arte conceptual y participativo contemporáneo. La muestra está compuesta por más de 80 trabajos, que incluyen objetos, videos, films, instalaciones y registros sonoros producidos desde principios de los 60 hasta hoy, y tiene como eje las llamadas Instrucciones, que Ono viene desarrollando desde hace más de sesenta años.
El proyecto expositivo contempla dos instancias: por un lado, la propia muestra en las salas de MALBA; por otro, la exposición y difusión de gran parte de las obras en el espacio público (carteles, colectivos, anuncios publicitarios), los medios masivos de comunicación (diarios, revistas, radio y televisión) y las redes sociales (Facebook, Twitter, Instagram, Tumblr).
De este modo, Yoko Ono amplifica el alcance de una obra con un fuerte compromiso social y político, a partir de su militancia a favor de movimientos como el feminismo, el pacifismo y el ecologismo. En Dream Come True, la artista nos invita a atravesar una experiencia transformadora en nuestra relación con nosotros mismos y con los demás.

Imagen:
Cartel de la exposición.


Berenice Abbott. Photographs
Lugar:
Museo Martin-Gropius-Bau de Berlín
Dirección:
Niederkirchnerstraße 7, 10963 Berlin, Alemania
Fecha:
Desde el 1 de julio hasta el 3 de octubre de 2016


ABBOTT, Berenice. Edificio Flatiron, Nueva York, 1938, © Berenice Abbott/ Commerce Graphics / Getty Images.  Howard Greenberg Gallery, Nueva YorkLa muestra, que consta de 82 imágenes en blanco y negro ofrece a los visitantes una amplia visión de la obra de esta gran artista norteamericana, cuya obra tuvo una enorme influencia en la fotografía documental y artística del siglo XX.
Berenice Abbott (Ohio, 1898) siempre tuvo clara su vocación artística. A los 20 años, tomó la determinación de trasladarse desde su ciudad natal Springfield a Nueva York para estudiar escultura en el Greenwich Village. Tres años después decidió viajar a Europa, y embarcarse en una nueva aventura. Su cámara, Nueva York y París fueron los únicos elementos que, de una manera u otra, siempre formaron parte de su crecimiento artístico. Jean Cocteau, James Joyce, André Gide, Max Ernst o Peggy Guggenheim fueron algunos de los rostros que protagonizaron sus primeros retratos fotográficos, actividad que compaginó con su trabajo como asistente de Man Ray entre 1923 y 1925.
Durante este periodo, la artista norteamericana también se interesó por la obra de Eugène Atget, un reconocido fotógrafo francés cuya máxima aspiración era «captar el París que iba desapareciendo». De tal ambición, precisamente, nació el interés de Abbott por los paisajes urbanos, siempre subyugados por el demoledor paso del tiempo.
Cuando regresó a Nueva York, en 1929, Abbott se percata de los cambios urbanísticos que había sufrido la ciudad y se implicó en un proyecto más documental inspirada por la visión de Atget, y se mostró especialmente interesada en los cambios físicos de la ciudad estadounidense; especialmente, en la sustitución de viejos edificios del siglo XIX por rascacielos. A partir de ese momento, Abbott se sumergió en una "interpretación documental" de Nueva York que culminó con un libro titulado Changing Nueva York, obra de referencia de la artista publicada en 1939. En ella, Abbott asentó su perspectiva moderna y compleja sobre el documento fotográfico, y presentó una innovadora manera de plasmar la temporalidad urbana a través de la yuxtaposición de luz y sombra, y los movimientos.

Imagen:
ABBOTT, Berenice. Edificio Flatiron, Nueva York, 1938, © Berenice Abbott/ Commerce Graphics / Getty Images. Howard Greenberg Gallery, Nueva York.


Salvador Dalí
Lugar:
National Art Center de Tokio
Dirección:
7 Chome-22-2 Roppongi, Minato, Tokyo 106-8558, Japón
Fecha:
Desde el 14 de septiembre hasta el 12 de diciembre de 2016


Cartel de la exposiciónSe trata de la primera retrospectiva de Salvador Dalí (Figueras, 1904 - 1989) en Japón en 10 años y la mayor en volumen de obras, jamás realizada en este país. La exposición compuesta por 196 piezas entre pinturas, acuarelas, esbozos, grabados, joyas y una escultura que recorren las etapas más significativas de su carrera, prestadas por centros como la Fundación Gala-Salvador Dalí de Figueras, el Museo Reina Sofía, el Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida, Estados Unidos) y varias colecciones japonesas.
La muestra se divide en ocho secciones, la búsqueda del Modernismo (1922-1929), la práctica del Surrealismo (1929-1938) y su exilio en Estados Unidos (1939-1948), además de su inquietud nuclear, nacida tras el lanzamiento de las bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki en 1945, una catástrofe que inspiró obras como Uranium and Atomica Melancholica Idyll (Idilio atómico y uránico melancólico, 1945), presente en la muestra.
Otras obras que pueden verse en la muestra son Singularidades (1935), Venus de Milo con cajones (1964) y Cuatro mujeres de pescadores en Cadaqués (1928), esta última testimonio de la nueva visión plástica de la obra de Dalí cuando cambia su residencia por París. La muestra se completa con obras de madurez como La Batalla de Tetuán (1962) y El torero alucinógeno (1968-1970).

Imagen:
Cartel de la exposición.


Diego Rivera. Director de la Escuela de Artes Plásticas 1929-1930
Lugar:
Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
Dirección:
Av. Altavista esq. Diego Rivera, Col. San Ángel Inn. Del. Álvaro Obregón. México, D.F.
Fecha:
Desde el 11 de agosto hasta el 6 de noviembre de 2016


Cartel de la muestraLa muestra, integrada por 44 piezas, entre fotografías, óleos, dibujos, libros, documentos facsimilares y caricaturas, cuenta el periodo corto, pero significativo, en que el pintor estuvo al frente de dicha institución, a un mes de que la Universidad Nacional de México consiguiera su autonomía.
Fueron solo 10 meses de gestión, pero lo relevante es que Diego Rivera intentó abrir esa institución a los obreros, así como implementar un nuevo plan de estudios que resultaría revolucionario.
En esta exposición, los visitantes podrán apreciar documentos, fotografías y dibujos que presentan el paso de Rivera por la Escuela de Artes, primero como alumno y luego como director. El dibujo Figura clásica desnuda de pie, que data de 1899, los horarios mecanografiados de las clases que se impartían, así como cartas que el pintor dirigió a sindicatos y fábricas para ofrecer clases a sus obreros, forman parte de la exhibición que concluye con la disputa generada con la Facultad de Arquitectura y que generaría su renuncia.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Miró en Mallorca. Un espíritu salvaje
Lugar:
Sejong Art Center de Seúl
Dirección:
175 Sejong-daero, Jongno-gu, Seoul, Corea del Sur.
Fecha:
Desde el 26 de junio hasta el 24 de septiembre de 2016


Cartel de la muestraSe trata de la primera gran exposición individual de Joan Miró en la capital de Corea del Sur. Y como su título indica, tiene como eje principal la relación del artista con la Isla, y está conformada por 264 piezas, que van desde pinturas hasta esculturas, dibujos y libros ilustrados,procedentes de la Fundació Pilar i Joan Miró y de coleccionistas privados. Unas piezas que, precisamente, el genio trazó durante los años que residió en Ciutat. La selección ocupa una superficie de 1.322 metros cuadrados.
Divididas en cinco bloques temáticos, las obras expuestas pertenecen a su etapa de madurez más vital y artística, la menos conocida y la más innovadora de su trayectoria. El recorrido que propone la exposición, es un paseo por diferentes ámbitos temáticos. Por un lado, el gran apego que Miró siente por sus raíces y su identidad, aspectos que influyen de manera muy directa en su obra. Por el otro, el compromiso de búsqueda en sus métodos de trabajo, basado en las principales influencias plásticas del siglo XX: las raíces ‘antiarte’ de los movimientos dadá y surrealista, el expresionismo abstracto americano y el arte oriental.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Augsburgo-Almagro / Almadén-París. Flujos e idas y vueltas
Lugar:
Galería Fúcares
Dirección:
Calle de San Francisco, 2, 13270 Almagro, Cdad. Real, España.
Fecha:
Desde el 25 de junio hasta el 15 de octubre de 2016


Cartel de la muestraLa muestra es una revisión de la Historia a través de las microhistorias, de episodios que, al poner el foco sobre ellos y relacionarlos, adquieren una nueva dimensión. Éste es un proyecto heredero de la exposición Guernica-AlexanderPlatz, desarrollada por José Medina Galeote y Juan Francisco Rueda en la Galería Isabel Hurley, Málaga, en 2014 (septiembre-noviembre). A diferencia de aquella, en ésta no se tensiona el relato historiográfico con microhistorias cercanas a la leyenda, con acontecimientos no tomados en consideración y que desde los márgenes de la Historia revelaban zonas obscuras o intencionadamente inadvertidas.
La pintura de José Medina Galeote, que bien podría ser llamada topográfica, permite recrear numerosas cartografías en las que se realzan muchas de las poblaciones que emergen como hitos en este cruce de episodios históricos, como puertos de salida, destino y llegada. Su estética y estrategia, tan volcadas al camuflaje, adquiere en proyectos como éste un indudable sentido semántico, como suerte de juego de ocultación/revelación de microhistorias que se resignifican al ser confrontadas. Asimismo, Medina Galeote ha creado en esta ocasión un código cromático en clara alusión al color del mercurio, al tiempo que, además de introducir la figuración de una manera más rotunda que en otros proyectos, ha imprimido a su tradicional vocabulario un dinamismo que cabe ser relacionado con el fluir del mercurio, el del propio mineral, como vemos en la fuente de Calder, como los flujos históricos que provoca su explotación, comercialización e interesado uso político.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Marylin Monroe. La mujer tras el mito
Lugar:
Palacio Madama de Turín
Dirección:
Piazza Castello, 10122 Turín, Italia.
Fecha:
Desde el 1 de junio hasta el 19 de septiembre de 2016


Facturas de teléfono originales de Marilyn Monroe, incluyendo la fotografía de Milton Greene, Collection Stampfer. Milton Greene copyrightsLa exposición sobre la vida detrás de las cámaras de la actriz estadounidense reúne 150 objetos que provienen de su casa en Helena Drive 5, en Brentwood, California, que habían quedado en posesión de su maestro de actuación y mentor, Lee Strasberg.
Vestidos, accesorios, maquillaje, documentos, cartas, apuntes, contratos cinematográficos, objetos de filmaciones y recuerdos de películas forman parte de la múltiple oferta de la exhibición.
Una suerte de reconstrucción del camerino de la diva, a la que se agregan una serie de fotografías inéditas tomadas por fotógrafos legendarios como Milton Greene, Alfred Eisenstaedt, George Barris y Bernt Stern.
Los objetos expuestos pertenecen en la actualidad a la colección del alemán Ted Stampfer, que los adquirió en subastas de Christie's y Julien's, que en 1999 hicieron públicos los bienes personales de Marilyn hasta entonces guardados en cajas y conservados en Nueva York.

Imagen:
Facturas de teléfono originales de Marilyn Monroe, incluyendo la fotografía de Milton Greene, Collection Stampfer. Milton Greene copyrights.


Domon Ken, el maestro del realismo japonés
Lugar:
Museo dell'Ara Pacis
Dirección:
Lungotevere in Augusta, 00186 Roma, Italia.
Fecha:
Desde el 27 de mayo hasta el 18 de septiembre de 2016


KEN, Domon, Pescadoras de perlas (ama san), 1948, 457×560mm., Ken Domon Museum of PhotographyDomon Ken, fue el primer fotógrafo al que se le dedicó un museo entero para exponer su obra en Japón. Y, por primera vez su obra puede verse fuera de Japón. Una exposición con casi 150 imágenes que acercan a la vida cotidiana de Japón, antes y después de la Segunda Guerra Mundial. Sin olvidar alguno de sus episodios más espantosos como la bomba atómica en Hiroshima. Domon viajó a Hiroshima en seis ocasiones entre julio y noviembre de 1957, estuvo allí un total de 36 días, y tomó 7.800 fotografías. Su volumen Hiroshima es sólo una minucia de lo retratado, pero causó tanto impacto que marcó un antes y un después.
En la muestra, abierta, se puede ver el renacimiento intelectual de Japón después de la Segunda Guerra Mundial, la llegada al país de la moda e influencia occidentales, pero también las manifestaciones de estudiantes en Tachikawa contra la ampliación de la base militar estadounidense, la pobreza en los barrios bajos de Tokio, y las míseras condiciones de los niños en los pueblos dedicados a la minería en la isla de Kyushu.
Antes de la Segunda Guerra Mundial, el fotógrafo se movió entre la información y la propaganda, inmortalizando las tradiciones y la artesanía japonesas, pero también sus avances industriales y militares.

Imagen:
KEN, Domon, Pescadoras de perlas (ama san), 1948, 457×560mm., Ken Domon Museum of Photography.


Anish Kapoor: Arqueología, Biología
Lugar:
Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC)
Dirección:
Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, Delegación Coyoacán, Ciudad de México.
Fecha:
Desde el 28 de mayo hasta el 27 de noviembre de 2016


KAPOOR, Anish, Arqueología:Biología, MUAC, 2016Se trata de una muestra donde se ha reunido una serie de objetos que surgen de las experiencias de Anish Kapoor (Bombay, 1954) en el estudio donde muchas de las obras vuelven a la idea de que el espacio se define sólo en teoría, es una propuesta del espacio tratado como una idea poética. La propuesta radica en la experiencia del espectador, la seducción de la materia y la forma articulada por cuatro núcleos temáticos.
La exhibición, comisariada por Catherine Lampert y Cecilia Delgado Masse, sin ánimo retrospectivo, no es lineal. Despliega un recorrido por la obra de este artista a través de sus grandes instalaciones y esculturas realizadas entre 1980 y 2016, 23 piezas entre escultura e instalación. Su trabajo puede definirse como un acercamiento poético al riguroso estudio del espacio, la materia y la forma, donde lo real, lo simbólico y lo imaginario se combinan hasta encontrar una génesis originaria del objeto escultórico.

Imagen:
KAPOOR, Anish, Arqueología:Biología, MUAC, 2016.


Otto Dix. Violencia y pasión
Lugar:
Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO)
           Museo Nacional de Arte (MUNAL)
Dirección:
Zuazua y Padre Jardón S/N, Zona Centro, Monterrey, Nuevo León, México
                 Calle Tacuba 8, Cuauhtemoc, Centro Histórico, Ciudad de México, D.F.
Fecha:
Desde el 17 de junio hasta el 18 de septiembre de 2016
           Desde el 11 de octubre de 2016 hasta el 15 de enero de 2017


DIX, Otto, La guerra, óleo sobre lienzo 204 x 204 cm., 1929-32, Gemäldegalerie Neue Meister, Dresde, AlemaniaMás de 150 cuadros y trabajos sobre papel de la Primera Guerra Mundial, pasando por los trepidantes años veinte, hasta llegar al neoexpresionismo después de 1945, es lo que compone la gran exhibición del pintor alemán en México, que ofrece una mirada amplia en la obra completa de este grandioso realista.
La cronología de las obras abarca de 1913 a 1969, siempre con imágenes críticas hacia los sistemas políticos totalitarios, los horrores de la guerra y la miseria humana.
De la etapa de la Primera guerra Mundial se observan imágenes de soldados muertos, calaveras, animales en descomposición,... obras que prueban el estrés postraumático que sufrió Dix.
Ningún otro pintor encarna en su biografía y en su arte el siglo de los extremos en Europa, el cual dejó una marca decisiva en Alemania con dos guerras mundiales la cultura de la República de Weimar y la división política después de 1945. Siendo tanto un afectado como un observador, el grandioso realista adoptó una postura crítica frente a su época y rindió testimonio en cuadros que sacuden al espectador.
Expresionista, dadaísta o un maestro antiguo, pintor propagandista y ecléctico, fanático de las observaciones y visionario, moralista y cínico, Otto Dix fue esto y mucho más. Sin embargo, este artista excepcional alemán fue ante todo otra cosa: un realista, un contemporáneo y testigo de su época, un afectado y un observador. En su vida atravesó casi todas las estaciones del siglo de los extremos.
Organizada en coordinación con el Museo Nacional de Arte y el Goethe-Institut Mexiko, bajo la curaduría de Ulrike Lorenz. Se trata de la primera gran retrospectiva en México de Otto Dix (1891-1969), uno de los artistas alemanes más importantes del siglo XX, representante del realismo crítico y la nueva objetividad.

Imagen:
DIX, Otto, La guerra, óleo sobre lienzo 204 x 204 cm., 1929-32, Gemäldegalerie Neue Meister, Dresde, Alemania.


Ernest Hemingway: entre dos guerras
Lugar:
John F. kennedy Presidential Library and Museum
Dirección:
Columbia Point, Boston, MA 02125, Estados Unidos
Fecha:
Desde el 11 abril hasta el 31 de diciembre de 2016


Ernest Hemingway con unos amigos en un café de Pamplona, España, verano de 1925.Catalogada como la más extensa exhibición museística dedicada a la vida y obra del escritor laureado con el premio Nobel, Ernest Hemingway. La exposición incluye manuscritos originales de algunas de sus obras literarias más conocidas, cartas a otras grandes figuras literarias de la época, fotografías y otros documentos.
Desde sus días como un joven reportero de The Kansas City Star, donde perfeccionó sus habilidades de escritura, al autor experimentado de Por quién doblan las campanas que cubrían la invasión del Día D para la revista Collier. Recuerdos personales, incluyendo entradas de las corridas de toros, o un anillo hecho de metralla de una lesión que sufrió en la Primera Guerra Mundial.
Las piezas provienen principalmente de la Ernest Hemingway Collection de la Biblioteca Kennedy. Tras la muerte de Hemingway en 1961, Kennedy ayudó a su viuda a obtener acceso a la antigua casa del escritor en Cuba para poder retirar sus documentos y otras pertenencias. Por ello, Mary Hemingway decidió ofrecerle la colección a la biblioteca Kennedy.

Imagen:
Ernest Hemingway con unos amigos en un café de Pamplona, España, verano de 1925.


Querido lector. No lea
Lugar:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Dirección:
5 Rue de Thorigny, 75003 Paris, Francia.
Fecha:
Desde el 15 de marzo hasta el 10 de octubre de 2016


Cartel para las performances Mail Art and Big Monster y Names and Addresses Ulises Carrión, 1979La muestra dedicada al creador mexicano Ulises Carrión (1941, San Andrés Tuxtla, Veracruz, México - 1989 Ámsterdam, Países Bajos), reúne alrededor de 350 piezas, entre las que se incluyen libros, revistas, vídeos, obras sonoras, arte correo, proyectos públicos y performances, así como sus iniciativas como comisario, editor, distribuidor, conferenciante, archivero, teórico del arte y escritor. Además, se exhiben por vez primera todos los trabajos audiovisuales de Ulises Carrión, entre los que destacan The Death of the Art Dealer (kanaal zero); Bookworks revisited; Gossip, Scandal, and Good Manners, acompañados con documentación e imágenes de época de otros proyectos globales.
La exposición tiene como objetivo ilustrar todos los aspectos de su obra artística e intelectual: desde su trayectoria inicial como joven escritor de éxito en México, y sus años de universidad como alumno de posgrado en Francia, Alemania e Inglaterra durante los cuales estudió lenguaje y lingüística; hasta sus numerosas actividades desarrolladas en Ámsterdam, ciudad en la que Carrión se estableció definitivamente en 1972, y en la que vivió hasta su muerte a los 49 años.

Imagen:
Cartel para las performances Mail Art and Big Monster y Names and Addresses, Ulises Carrión, 1979.


Andy Warhol: Sombras (1978-79)
Lugar:
Museo Guggenheim de Bilbao
Dirección:
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 26 de febrero hasta el 2 de octubre de 2016


WARHOL, Andy. Shadows, 1978–79, acrílico sobre lienzo, 102 pinturas sobre lienzo (sin marco), 193 × 132 × 2,9 cm cada una, Dia Art Foundation, © 2016, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./VEGAPLa muestra reúne 102 paneles serigrafiados de gran formato donde puede verse las indagaciones que de Andy Warhol realizo la abstracción.
Los lienzos, que fueron cubiertos con pintura acrílica antes de la impresión de la imagen, muestran la distintiva paleta la característica paleta warholiana, alegre en extremo y de tonos brillantes. El fondo de cada lienzo está pintado con una mopa de esponja, cuyos rastros y manchas aportan “gestualidad” al plano pictórico. Las Sombras fueron creadas utilizando siete u ocho pantallas, como evidencian las leves diferencias de escala de las zonas oscuras y la presencia de puntos de luz aleatorios. A lo largo de las paredes de la sala se alternan el positivo y el negativo de las “sombras”. A pesar de su apariencia repetitiva, el “método mecánico” de Warhol es, en realidad, totalmente manual. Aunque incluyen más de una docena de tonos diferentes, en las Sombras están presentes colores muy característicos a lo largo de su obra, como el violeta translúcido de Lavender Disaster , 1963 o el verde aguamarina de Turquoise Marilyn, 1964.
A diferencia de sus pinturas anteriores, en las que finas capas de pintura acrílica constituían el fondo sobre el que se serigrafiaban imágenes negras pixeladas, las superficies de las Sombras fueron pintadas con una mopa de esponja, cuyas líneas y trazos aportan una sensación gestual al plano pictórico. Para crear esta obra se utilizaron siete u ocho pantallas diferentes, como queda patente en los leves cambios de escala de las zonas oscuras, así como en la arbitraria presencia de manchas de luz.

Imagen:
WARHOL, Andy. Shadows, 1978–79, acrílico sobre lienzo, 102 pinturas sobre lienzo (sin marco), 193 × 132 × 2,9 cm cada una, Dia Art Foundation, © 2016, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./VEGAP.



...y además

Joaquim Gomis. Fundición Gimeno
Desde el 10 de mayo hasta el 18 de septiembre de 2016
http://www.fmirobcn.org


CARtoons: Art of American’s car culture
Desde el 16 de julio de 2016 hasta el 2 de enero de 2017
http://www.lacma.org


La inmigración de judíos ruso parlantes a Alemania
Desde el 21 de septiembre hasta el 1 de diciembre de 2016
http://www.alemania-mexico.com

Diego Rivera y Kurt Stavenhagen, coleccionistas de arte prehispánico
Desde el 11 de agosto hasta el 2 de noviembre de 2016
http://www.inba.gob.mx

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