sumario
staff
contacta
 
           PUBLICIDAD

AGENDA DE EXPOSICIONES

Berenice Abbott. Photographs
Lugar:
Museo Martin-Gropius-Bau de Berlín
Dirección:
Niederkirchnerstraße 7, 10963 Berlin, Alemania
Fecha:
Desde el 1 de julio hasta el 3 de octubre de 2016


ABBOTT, Berenice. Edificio Flatiron, Nueva York, 1938, © Berenice Abbott/ Commerce Graphics / Getty Images.  Howard Greenberg Gallery, Nueva YorkLa muestra, que consta de 82 imágenes en blanco y negro ofrece a los visitantes una amplia visión de la obra de esta gran artista norteamericana, cuya obra tuvo una enorme influencia en la fotografía documental y artística del siglo XX.
Berenice Abbott (Ohio, 1898) siempre tuvo clara su vocación artística. A los 20 años, tomó la determinación de trasladarse desde su ciudad natal Springfield a Nueva York para estudiar escultura en el Greenwich Village. Tres años después decidió viajar a Europa, y embarcarse en una nueva aventura. Su cámara, Nueva York y París fueron los únicos elementos que, de una manera u otra, siempre formaron parte de su crecimiento artístico. Jean Cocteau, James Joyce, André Gide, Max Ernst o Peggy Guggenheim fueron algunos de los rostros que protagonizaron sus primeros retratos fotográficos, actividad que compaginó con su trabajo como asistente de Man Ray entre 1923 y 1925.
Durante este periodo, la artista norteamericana también se interesó por la obra de Eugène Atget, un reconocido fotógrafo francés cuya máxima aspiración era «captar el París que iba desapareciendo». De tal ambición, precisamente, nació el interés de Abbott por los paisajes urbanos, siempre subyugados por el demoledor paso del tiempo.
Cuando regresó a Nueva York, en 1929, Abbott se percata de los cambios urbanísticos que había sufrido la ciudad y se implicó en un proyecto más documental inspirada por la visión de Atget, y se mostró especialmente interesada en los cambios físicos de la ciudad estadounidense; especialmente, en la sustitución de viejos edificios del siglo XIX por rascacielos. A partir de ese momento, Abbott se sumergió en una "interpretación documental" de Nueva York que culminó con un libro titulado Changing Nueva York, obra de referencia de la artista publicada en 1939. En ella, Abbott asentó su perspectiva moderna y compleja sobre el documento fotográfico, y presentó una innovadora manera de plasmar la temporalidad urbana a través de la yuxtaposición de luz y sombra, y los movimientos.

Imagen:
ABBOTT, Berenice. Edificio Flatiron, Nueva York, 1938, © Berenice Abbott/ Commerce Graphics / Getty Images. Howard Greenberg Gallery, Nueva York.


Salvador Dalí
Lugar:
Museo Municipal de Kioto
           National Art Center de Tokio
Dirección:
Okazaki Enshoji-cho Sakyo-ku, ciudad de Kioto 606-8344, Japón
                 7 Chome-22-2 Roppongi, Minato, Tokyo 106-8558, Japón
Fecha:
Desde el 1 de julio hasta el 4 de septiembre de 2016
            Desde el 14 de septiembre hasta el 12 de diciembre de 2016


Cartel de la exposiciónSe trata de la primera retrospectiva de Salvador Dalí (Figueras, 1904 - 1989) en Japón en 10 años y la mayor en volumen de obras, jamás realizada en este país. La exposición compuesta por 196 piezas entre pinturas, acuarelas, esbozos, grabados, joyas y una escultura que recorren las etapas más significativas de su carrera, prestadas por centros como la Fundación Gala-Salvador Dalí de Figueras, el Museo Reina Sofía, el Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida, Estados Unidos) y varias colecciones japonesas.
La muestra se divide en ocho secciones, la búsqueda del Modernismo (1922-1929), la práctica del Surrealismo (1929-1938) y su exilio en Estados Unidos (1939-1948), además de su inquietud nuclear, nacida tras el lanzamiento de las bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki en 1945, una catástrofe que inspiró obras como Uranium and Atomica Melancholica Idyll (Idilio atómico y uránico melancólico, 1945), presente en la muestra.
Otras obras que pueden verse en la muestra son Singularidades (1935), Venus de Milo con cajones (1964) y Cuatro mujeres de pescadores en Cadaqués (1928), esta última testimonio de la nueva visión plástica de la obra de Dalí cuando cambia su residencia por París. La muestra se completa con obras de madurez como La Batalla de Tetuán (1962) y El torero alucinógeno (1968-1970).

Imagen:
Cartel de la exposición.


Frida Kahlo y Diego Rivera
Lugar:
Seoul Arts Center
Dirección:
2406 Nambusunhwan-ro, Seocho-gu, Seoul, Corea del Sur.
Fecha:
Desde el 28 de mayo hasta el 28 de agosto de 2016


RIVERA, Diego. Autorretrato con el sombrero de ala ancha, Banco de México, Frida Kahlo y Diego Rivera Museos TrustLa exposición reúne los principales cuadros de la pareja, que abarca la totalidad de sus carreras artísticas, incluyendo los creados durante su tumultuoso matrimonio. La muestra con 60 pinturas y 90 fotografías, destaca a Kahlo y Rivera como artistas individuales con diferentes estilos artísticos e inspiraciones, en secciones separadas dedicadas a cada artista. Se desarrollan en orden cronológico, con algunas de sus obras más conocidas como El joven de la estilográfica (1914) o La canoa enflorada (1931), de Rivera; o La columna rota de Kahlo, y fotografías cedidas por el Museo Dolores Olmedo.
Se pueden ver claramente las diferencias de estos dos artistas, mientras que Diego se concentra en retratar la vida cotidiana de los mexicanos, las obras de Kahlo revelan sus emociones internas y su estado de ánimo. El dolor emocional y físico que Kahlo sufrió están presentes en las cerca de 30 obras de la artista en la exposición.

Imagen:
RIVERA, Diego. Autorretrato con el sombrero de ala ancha, Banco de México, Frida Kahlo y Diego Rivera Museos Trust.


Miró en Mallorca. Un espíritu salvaje
Lugar:
Sejong Art Center de Seúl
Dirección:
175 Sejong-daero, Jongno-gu, Seoul, Corea del Sur.
Fecha:
Desde el 26 de junio hasta el 24 de septiembre de 2016


Cartel de la muestraSe trata de la primera gran exposición individual de Joan Miró en la capital de Corea del Sur. Y como su título indica, tiene como eje principal la relación del artista con la Isla, y está conformada por 264 piezas, que van desde pinturas hasta esculturas, dibujos y libros ilustrados,procedentes de la Fundació Pilar i Joan Miró y de coleccionistas privados. Unas piezas que, precisamente, el genio trazó durante los años que residió en Ciutat. La selección ocupa una superficie de 1.322 metros cuadrados.
Divididas en cinco bloques temáticos, las obras expuestas pertenecen a su etapa de madurez más vital y artística, la menos conocida y la más innovadora de su trayectoria. El recorrido que propone la exposición, es un paseo por diferentes ámbitos temáticos. Por un lado, el gran apego que Miró siente por sus raíces y su identidad, aspectos que influyen de manera muy directa en su obra. Por el otro, el compromiso de búsqueda en sus métodos de trabajo, basado en las principales influencias plásticas del siglo XX: las raíces ‘antiarte’ de los movimientos dadá y surrealista, el expresionismo abstracto americano y el arte oriental.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Augsburgo-Almagro / Almadén-París. Flujos e idas y vueltas
Lugar:
Galería Fúcares
Dirección:
Calle de San Francisco, 2, 13270 Almagro, Cdad. Real, España.
Fecha:
Desde el 25 de junio hasta el 15 de octubre de 2016


Cartel de la muestraLa muestra es una revisión de la Historia a través de las microhistorias, de episodios que, al poner el foco sobre ellos y relacionarlos, adquieren una nueva dimensión. Éste es un proyecto heredero de la exposición Guernica-AlexanderPlatz, desarrollada por José Medina Galeote y Juan Francisco Rueda en la Galería Isabel Hurley, Málaga, en 2014 (septiembre-noviembre). A diferencia de aquella, en ésta no se tensiona el relato historiográfico con microhistorias cercanas a la leyenda, con acontecimientos no tomados en consideración y que desde los márgenes de la Historia revelaban zonas obscuras o intencionadamente inadvertidas.
La pintura de José Medina Galeote, que bien podría ser llamada topográfica, permite recrear numerosas cartografías en las que se realzan muchas de las poblaciones que emergen como hitos en este cruce de episodios históricos, como puertos de salida, destino y llegada. Su estética y estrategia, tan volcadas al camuflaje, adquiere en proyectos como éste un indudable sentido semántico, como suerte de juego de ocultación/revelación de microhistorias que se resignifican al ser confrontadas. Asimismo, Medina Galeote ha creado en esta ocasión un código cromático en clara alusión al color del mercurio, al tiempo que, además de introducir la figuración de una manera más rotunda que en otros proyectos, ha imprimido a su tradicional vocabulario un dinamismo que cabe ser relacionado con el fluir del mercurio, el del propio mineral, como vemos en la fuente de Calder, como los flujos históricos que provoca su explotación, comercialización e interesado uso político.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Marylin Monroe. La mujer tras el mito
Lugar:
Palacio Madama de Turín
Dirección:
Piazza Castello, 10122 Turín, Italia.
Fecha:
Desde el 1 de junio hasta el 19 de septiembre de 2016


Facturas de teléfono originales de Marilyn Monroe, incluyendo la fotografía de Milton Greene, Collection Stampfer. Milton Greene copyrightsLa exposición sobre la vida detrás de las cámaras de la actriz estadounidense reúne 150 objetos que provienen de su casa en Helena Drive 5, en Brentwood, California, que habían quedado en posesión de su maestro de actuación y mentor, Lee Strasberg.
Vestidos, accesorios, maquillaje, documentos, cartas, apuntes, contratos cinematográficos, objetos de filmaciones y recuerdos de películas forman parte de la múltiple oferta de la exhibición.
Una suerte de reconstrucción del camerino de la diva, a la que se agregan una serie de fotografías inéditas tomadas por fotógrafos legendarios como Milton Greene, Alfred Eisenstaedt, George Barris y Bernt Stern.
Los objetos expuestos pertenecen en la actualidad a la colección del alemán Ted Stampfer, que los adquirió en subastas de Christie's y Julien's, que en 1999 hicieron públicos los bienes personales de Marilyn hasta entonces guardados en cajas y conservados en Nueva York.

Imagen:
Facturas de teléfono originales de Marilyn Monroe, incluyendo la fotografía de Milton Greene, Collection Stampfer. Milton Greene copyrights.


Domon Ken, el maestro del realismo japonés
Lugar:
Museo dell'Ara Pacis
Dirección:
Lungotevere in Augusta, 00186 Roma, Italia.
Fecha:
Desde el 27 de mayo hasta el 18 de septiembre de 2016


KEN, Domon, Pescadoras de perlas (ama san), 1948, 457×560mm., Ken Domon Museum of PhotographyDomon Ken, fue el primer fotógrafo al que se le dedicó un museo entero para exponer su obra en Japón. Y, por primera vez su obra puede verse fuera de Japón. Una exposición con casi 150 imágenes que acercan a la vida cotidiana de Japón, antes y después de la Segunda Guerra Mundial. Sin olvidar alguno de sus episodios más espantosos como la bomba atómica en Hiroshima. Domon viajó a Hiroshima en seis ocasiones entre julio y noviembre de 1957, estuvo allí un total de 36 días, y tomó 7.800 fotografías. Su volumen Hiroshima es sólo una minucia de lo retratado, pero causó tanto impacto que marcó un antes y un después.
En la muestra, abierta, se puede ver el renacimiento intelectual de Japón después de la Segunda Guerra Mundial, la llegada al país de la moda e influencia occidentales, pero también las manifestaciones de estudiantes en Tachikawa contra la ampliación de la base militar estadounidense, la pobreza en los barrios bajos de Tokio, y las míseras condiciones de los niños en los pueblos dedicados a la minería en la isla de Kyushu.
Antes de la Segunda Guerra Mundial, el fotógrafo se movió entre la información y la propaganda, inmortalizando las tradiciones y la artesanía japonesas, pero también sus avances industriales y militares.

Imagen:
KEN, Domon, Pescadoras de perlas (ama san), 1948, 457×560mm., Ken Domon Museum of Photography.


Anish Kapoor: Arqueología, Biología
Lugar:
Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC)
Dirección:
Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, Delegación Coyoacán, Ciudad de México.
Fecha:
Desde el 28 de mayo hasta el 27 de noviembre de 2016


KAPOOR, Anish, Arqueología:Biología, MUAC, 2016Se trata de una muestra donde se ha reunido una serie de objetos que surgen de las experiencias de Anish Kapoor (Bombay, 1954) en el estudio donde muchas de las obras vuelven a la idea de que el espacio se define sólo en teoría, es una propuesta del espacio tratado como una idea poética. La propuesta radica en la experiencia del espectador, la seducción de la materia y la forma articulada por cuatro núcleos temáticos.
La exhibición, comisariada por Catherine Lampert y Cecilia Delgado Masse, sin ánimo retrospectivo, no es lineal. Despliega un recorrido por la obra de este artista a través de sus grandes instalaciones y esculturas realizadas entre 1980 y 2016, 23 piezas entre escultura e instalación. Su trabajo puede definirse como un acercamiento poético al riguroso estudio del espacio, la materia y la forma, donde lo real, lo simbólico y lo imaginario se combinan hasta encontrar una génesis originaria del objeto escultórico.

Imagen:
KAPOOR, Anish, Arqueología:Biología, MUAC, 2016.


Otto Dix. Violencia y pasión
Lugar:
Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO)
           Museo Nacional de Arte (MUNAL)
Dirección:
Zuazua y Padre Jardón S/N, Zona Centro, Monterrey, Nuevo León, México
                 Calle Tacuba 8, Cuauhtemoc, Centro Histórico, Ciudad de México, D.F.
Fecha:
Desde el 17 de junio hasta el 18 de septiembre de 2016
           Desde el 11 de octubre de 2016 hasta el 15 de enero de 2017


DIX, Otto, La guerra, óleo sobre lienzo 204 x 204 cm., 1929-32, Gemäldegalerie Neue Meister, Dresde, AlemaniaMás de 150 cuadros y trabajos sobre papel de la Primera Guerra Mundial, pasando por los trepidantes años veinte, hasta llegar al neoexpresionismo después de 1945, es lo que compone la gran exhibición del pintor alemán en México, que ofrece una mirada amplia en la obra completa de este grandioso realista.
La cronología de las obras abarca de 1913 a 1969, siempre con imágenes críticas hacia los sistemas políticos totalitarios, los horrores de la guerra y la miseria humana.
De la etapa de la Primera guerra Mundial se observan imágenes de soldados muertos, calaveras, animales en descomposición,... obras que prueban el estrés postraumático que sufrió Dix.
Ningún otro pintor encarna en su biografía y en su arte el siglo de los extremos en Europa, el cual dejó una marca decisiva en Alemania con dos guerras mundiales la cultura de la República de Weimar y la división política después de 1945. Siendo tanto un afectado como un observador, el grandioso realista adoptó una postura crítica frente a su época y rindió testimonio en cuadros que sacuden al espectador.
Expresionista, dadaísta o un maestro antiguo, pintor propagandista y ecléctico, fanático de las observaciones y visionario, moralista y cínico, Otto Dix fue esto y mucho más. Sin embargo, este artista excepcional alemán fue ante todo otra cosa: un realista, un contemporáneo y testigo de su época, un afectado y un observador. En su vida atravesó casi todas las estaciones del siglo de los extremos.
Organizada en coordinación con el Museo Nacional de Arte y el Goethe-Institut Mexiko, bajo la curaduría de Ulrike Lorenz. Se trata de la primera gran retrospectiva en México de Otto Dix (1891-1969), uno de los artistas alemanes más importantes del siglo XX, representante del realismo crítico y la nueva objetividad.

Imagen:
DIX, Otto, La guerra, óleo sobre lienzo 204 x 204 cm., 1929-32, Gemäldegalerie Neue Meister, Dresde, Alemania.


Louise Bourgeois. Estructuras de la existencia: las Celdas
Lugar:
Museo Guggenheim Bilbao
Dirección:
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 18 de marzo hasta el 4 de septiembre de 2016


BOURGEOIS,Louise. The Last Climb, 2008, acero, vidrio, goma, hilo y madera, 384,8 x 400,1 x 299,7 cm., Collection National Gallery of Canada, Ottawa, Foto: Christopher Burke,  © The Easton Foundation / VEGAP, MadridLouise Bourgeois (1911–2010) es una de las artistas más influyentes del siglo xx. Trabajando con una amplia gama de materiales y formas, creó un corpus de obras que abarca más de siete décadas.
Entre las creaciones escultóricas más originales y sofisticadas de su extensa obra se encuentran las Celdas, una serie de espacios arquitectónicos que abordan un amplio espectro de emociones. Las Celdas, creadas a lo largo de dos décadas, presentan microcosmos individuales: cada Celda constituye un recinto que separa el mundo interno del exterior. En estos singulares espacios, mediante la disposición de objetos encontrados, prendas de vestir, muebles y esculturas, la artista configuró escenografías que poseen una fuerte carga emocional.
Títulos tan elocuentes y significativos como Días negros, La destrucción del padre, Sin salida, Arco de histeria, Pasaje peligroso, El confesionario… no dejan resquicio a la duda en esta peregrinación por entre las estructuras de acero, vidrio, madera, tela, látex, resina o trozos de espejo.
Incluyendo las cinco piezas precursoras de la serie, que se inició en 1986 con Articulated Lair, Bourgeois creó aproximadamente 60 estructuras espaciales. En esta muestra pueden verse 28 de ellas, por lo que la convierte en la exposición más importante montada nunca en torno a esta faceta.

Imagen:
BOURGEOIS,Louise. The Last Climb, 2008, acero, vidrio, goma, hilo y madera, 384,8 x 400,1 x 299,7 cm., Collection National Gallery of Canada, Ottawa, Foto: Christopher Burke, © The Easton Foundation / VEGAP, Madrid.


Orozco, Rivera, Siqueiros. La exposición pendiente y La conexión sur
Lugar:
Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina
Dirección:
Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires, Argentina
Fecha:
Desde el 3 de mayo hasta el 7 de agosto de 2016


RIVERA, Diego, Maternidad, 1916, óleo sobre lienzo, 34,5 x 88,5 cm., Museo de Arte Carrillo Gil, MéxicoLa exposición de los grandes maestros mexicanos José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, está integrada por obras provenientes de uno de los acervos más importantes de Latinoamérica: la colección del Museo de Arte Carrillo Gil, de México.
La muestra se despliega en dos grandes núcleos: “La exposición pendiente”, del comisario del Museo de Arte Carrillo Gil, Carlos Palacios, y “La conexión Sur”, a cargo de Cristina Rossi. En el primero, se expone una selección de 76 obras que formaron parte de “Orozco, Rivera y Siqueiros. Pintura mexicana”, la muestra organizada por el museógrafo mexicano Fernando Gamboa que debió inaugurarse en Santiago de Chile el 13 de septiembre de 1973, y que fue cancelada dos días antes de su apertura al público, en medio de la convulsión provocada por el golpe militar de Augusto Pinochet. Embaladas nuevamente, las piezas lograron ser preservadas y viajaron en avión hacia México, acompañadas por el embajador de ese país en Chile. Finalmente tuvo lugar en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, entre noviembre de 2015 y febrero de 2016
El segundo núcleo, “La conexión Sur”, registra la trama de intercambios que tejieron los tres maestros mexicanos con el medio y los artistas argentinos. Aquí podrán verse pinturas, dibujos, esculturas, grabados, bocetos y documentación de acciones realizados por Antonio Berni, Carlos Alonso, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Romero, Diana Dowek, Juan Carlos Distéfano, Demetrio Urruchúa y Juan Carlos Castagnino, entre otros.

Imagen:
RIVERA, Diego, Maternidad, 1916, óleo sobre lienzo, 34,5 x 88,5 cm., Museo de Arte Carrillo Gil, México.


Ernest Hemingway: entre dos guerras
Lugar:
John F. kennedy Presidential Library and Museum
Dirección:
Columbia Point, Boston, MA 02125, Estados Unidos
Fecha:
Desde el 11 abril hasta el 31 de diciembre de 2016


Ernest Hemingway con unos amigos en un café de Pamplona, España, verano de 1925.Catalogada como la más extensa exhibición museística dedicada a la vida y obra del escritor laureado con el premio Nobel, Ernest Hemingway. La exposición incluye manuscritos originales de algunas de sus obras literarias más conocidas, cartas a otras grandes figuras literarias de la época, fotografías y otros documentos.
Desde sus días como un joven reportero de The Kansas City Star, donde perfeccionó sus habilidades de escritura, al autor experimentado de Por quién doblan las campanas que cubrían la invasión del Día D para la revista Collier. Recuerdos personales, incluyendo entradas de las corridas de toros, o un anillo hecho de metralla de una lesión que sufrió en la Primera Guerra Mundial.
Las piezas provienen principalmente de la Ernest Hemingway Collection de la Biblioteca Kennedy. Tras la muerte de Hemingway en 1961, Kennedy ayudó a su viuda a obtener acceso a la antigua casa del escritor en Cuba para poder retirar sus documentos y otras pertenencias. Por ello, Mary Hemingway decidió ofrecerle la colección a la biblioteca Kennedy.

Imagen:
Ernest Hemingway con unos amigos en un café de Pamplona, España, verano de 1925.


Helmut Newton. Mujeres blancas, Noches de insomnio, Grandes desnudos
Lugar:
Casa Tre Oci
Dirección:
Fondamenta delle Zitelle, 43 Isola della Giudecca 30133, Venecia, Italia
Fecha:
Desde el 7 de abril hasta el 7 de agosto de 2016


NEWTON, Helmut. Autorretato con June y modelo. París, 1981. / © Helmut Newton EstateEn la exposición pueden verse 200 imágenes salidas de los libros homónimos, los únicos comisariados por el mismísimo Newton, en los setenta.
El maestro de la fotografía del siglo pasado estuvo obsesionado toda la vida por encontrar un estilo que involucrase al espectador en sus imágenes, claramente pensadas como relatos inconclusos. Ese es el hilo conductor de la exposición organizada en tres bloques, en coproducción con la Fundación Helmut Newton de Berlín, la Fundación Venecia y Civitá Tre Venecie.
El modo de mirar el mundo de Newton, irónico y erótico hacen un guiño al ojo del visitante en las salas que acogen la muestra. Hay modelos desnudas, y, de foto en foto, el espectador se pregunta si es verdad o no, hay maniquíes que hacen el amor en un sofá y, solo después de unos minutos se comprende que es solo un juego. Sus protagonistas son la esencia de la belleza imperfecta: curvas redondas, axilas sin depilar, algunas delgadas, pero no anoréxicas.
En Mujeres blancas, publicado en 1976, Newton eligió 81 imágenes (42 en color y 39 en blanco y negro), e introdujo el desnudo y el erotismo en la fotografía de moda. Estas visiones tienen su origen en la historia del arte, sobre todo en la Maja vestida y la Maja desnuda de Goya.
La introducción de la desnudez en la fotografía de moda fue seguido por muchos otros fotógrafos y directores de cine y seguió siendo un símbolo de su producción artística personal.
En Noches de insomnio publicado en 1978, siguen siendo las mujeres, sus cuerpos y la ropa, los protagonistas. Se trata de una retrospectiva de varios volúmenes que reúne 69 fotografías (31 en color y 38 en blanco y negro) hecha por varias revistas, en las que define su estilo y lo convierte en un icono de la fotografía de moda.
En Grandes Desnudos, volumen de 1981, Newton llegó al papel principal en la historia de la imagen de finales del siglo XX. Las 39 imágenes en blanco y negro inauguran una nueva dimensión de la fotografía humana: la del gigante que, por primera vez, entra en galerías y museos de todo el mundo.
Si nos tenemos que detener en una fotografía sería: Autorretrato con la esposa y la modelo, la imagen más famosa de Newton y símbolo de la muestra, resume la genialidad y el estilo elegante presente en toda su obra. Tomada en 1981, retrata una modelo desnuda; detrás, el fotógrafo, delante de ellos, a la izquierda del espejo, una mujer cincuentona, vestida, mira la escena, y resulta ser la esposa del artista, June Brunnel, que había quedado con su marido para ir a comer.

Imagen:
NEWTON, Helmut. Autorretato con June y modelo. París, 1981. © Helmut Newton Estate.


Querido lector. No lea
Lugar:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Dirección:
5 Rue de Thorigny, 75003 Paris, Francia.
Fecha:
Desde el 15 de marzo hasta el 10 de octubre de 2016


Cartel para las performances Mail Art and Big Monster y Names and Addresses Ulises Carrión, 1979La muestra dedicada al creador mexicano Ulises Carrión (1941, San Andrés Tuxtla, Veracruz, México - 1989 Ámsterdam, Países Bajos), reúne alrededor de 350 piezas, entre las que se incluyen libros, revistas, vídeos, obras sonoras, arte correo, proyectos públicos y performances, así como sus iniciativas como comisario, editor, distribuidor, conferenciante, archivero, teórico del arte y escritor. Además, se exhiben por vez primera todos los trabajos audiovisuales de Ulises Carrión, entre los que destacan The Death of the Art Dealer (kanaal zero); Bookworks revisited; Gossip, Scandal, and Good Manners, acompañados con documentación e imágenes de época de otros proyectos globales.
La exposición tiene como objetivo ilustrar todos los aspectos de su obra artística e intelectual: desde su trayectoria inicial como joven escritor de éxito en México, y sus años de universidad como alumno de posgrado en Francia, Alemania e Inglaterra durante los cuales estudió lenguaje y lingüística; hasta sus numerosas actividades desarrolladas en Ámsterdam, ciudad en la que Carrión se estableció definitivamente en 1972, y en la que vivió hasta su muerte a los 49 años.

Imagen:
Cartel para las performances Mail Art and Big Monster y Names and Addresses, Ulises Carrión, 1979.


Picasso. Esculturas
Lugar:
Museo Picasso de París
Dirección:
5 Rue de Thorigny, 75003 Paris, Francia.
Fecha:
Desde el 8 de marzo hasta el 28 de agosto de 2016


Cartel de la muestraLa mayor muestra de esculturas del artista español incluye más de 240 obras. Sigue un recorrido cronológico, desde los primeros modelados de inicios del siglo XX hasta la década de los sesenta. Entre las piezas, destacan la serie "Verre d'absenthe", pintados en 1914, cuyos seis elementos coinciden por primera vez en Europa, así como "Cabeza de cabra, botella y vela", que se muestran junto a la pintura del mismo nombre.
Dos figuras de mujeres embarazadas, homenaje a la creada con tres cerámicas ensambladas en el taller de Vallauris, en la Costa Azul francesa; y a las dos "Femme enceinte" que fundió en bronce entre 1950 y 1959.
Sus primeras esculturas, creadas a partir de 1902, como "Femme assise", pequeña figura de mujer sentada hecha con tierra, "Le Fou" y "Tête de femme (Fernande)"; así como su trabajo en madera influido por la cultura catalana, el arte grecorromano y el arte africano.
También está presente su proyecto de monumento en memoria del poeta Apollinaire, rechazado por el Comité que en 1921 lo encargó; o la "Cabeza de mujer" que presentó en el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Andy Warhol: Sombras (1978-79)
Lugar:
Museo Guggenheim de Bilbao
Dirección:
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 26 de febrero hasta el 2 de octubre de 2016


WARHOL, Andy. Shadows, 1978–79, acrílico sobre lienzo, 102 pinturas sobre lienzo (sin marco), 193 × 132 × 2,9 cm cada una, Dia Art Foundation, © 2016, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./VEGAPLa muestra reúne 102 paneles serigrafiados de gran formato donde puede verse las indagaciones que de Andy Warhol realizo la abstracción.
Los lienzos, que fueron cubiertos con pintura acrílica antes de la impresión de la imagen, muestran la distintiva paleta la característica paleta warholiana, alegre en extremo y de tonos brillantes. El fondo de cada lienzo está pintado con una mopa de esponja, cuyos rastros y manchas aportan “gestualidad” al plano pictórico. Las Sombras fueron creadas utilizando siete u ocho pantallas, como evidencian las leves diferencias de escala de las zonas oscuras y la presencia de puntos de luz aleatorios. A lo largo de las paredes de la sala se alternan el positivo y el negativo de las “sombras”. A pesar de su apariencia repetitiva, el “método mecánico” de Warhol es, en realidad, totalmente manual. Aunque incluyen más de una docena de tonos diferentes, en las Sombras están presentes colores muy característicos a lo largo de su obra, como el violeta translúcido de Lavender Disaster , 1963 o el verde aguamarina de Turquoise Marilyn, 1964.
A diferencia de sus pinturas anteriores, en las que finas capas de pintura acrílica constituían el fondo sobre el que se serigrafiaban imágenes negras pixeladas, las superficies de las Sombras fueron pintadas con una mopa de esponja, cuyas líneas y trazos aportan una sensación gestual al plano pictórico. Para crear esta obra se utilizaron siete u ocho pantallas diferentes, como queda patente en los leves cambios de escala de las zonas oscuras, así como en la arbitraria presencia de manchas de luz.

Imagen:
WARHOL, Andy. Shadows, 1978–79, acrílico sobre lienzo, 102 pinturas sobre lienzo (sin marco), 193 × 132 × 2,9 cm cada una, Dia Art Foundation, © 2016, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./VEGAP.



...y además

Joaquim Gomis. Fundición Gimeno
Desde el 10 de mayo hasta el 18 de septiembre de 2016
http://www.fmirobcn.org


Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium
Desde el 20 de marzo hasta el 31 de julio de 2016
http://www.lacma.org


Teobert Maler: El presente de lo pasado
Desde el 27 de junio hasta el 14 de agosto de 2016
http://www.alemania-mexico.com

War, Capitalism & Liberty
Desde el 24 de mayo hasta el 4 de septiembre de 2016
http://www.fondazioneterzopilastro.it

| agenda de exposiciones | novedades bibliográficas | últimas noticias | notas de prensa |