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AGENDA DE EXPOSICIONES

Picasso y Rivera: Conversaciones a través del tiempo
Lugar:
Museo de Arte de Los Ángeles (LACMA)
Dirección:
905 Wilshire Blvd, Los Angeles, CA 90036, EE. UU.
Fecha:
Desde el 7 de diciembre de 2016 hasta el 7 de mayo de 2017


RIVERA, Diego, Marinero almorzando, 1914. Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, Guanajuato. PICASSO, Pablo, L'etudiant au journal, 1913-14. The Metropolitan Museum of Art150 piezas entre pintura, escultura, grabado y dibujo, realizadas por dos de los más grandes creadores artísticos del siglo pasado integran esta muestra. La muestra busca demostrar como ambos artistas viajaron hasta sus raíces para buscar la subversión y reinventar la realidad. Por ello, se incluyen además docenas de antiguos objetos greco-romanos, ibéricos y aztecas, con los que se pretende mostrar cómo sus propuestas creativas bebieron de las formas, los mitos y las obras artísticas de la antigüedad. Inspiración y sensibilidad mediterránea, en el caso de Picasso, y precolombina e indigenista en el de Rivera.
Los cinco bloques temáticos de la muestra buscan ahondar en los momentos de interacción y divergencia entre los dos artistas, coincidieron, entre 1908 y 1916, en su adscripción al cubismo parisino, estilo que terminaría por ser el causante de la ruptura de relaciones. En este capítulo se exponen cuadros de Picasso como “Estudiante leyendo el diario” (1913) y “Marinero almorzando” (1914), primeros apuntes experimentales de un período crítico. Después de viajar a Italia decidieron 'regresar al orden' Tras la I Guerra Mundial y en otro movimiento casi paralelo, y abrazaron una "revalorización de la tradición clásica", que el primero expresó en sus reinterpretaciones de temas mitológicos grecorromanos y etruscos, mientras que el mexicano volvió la vista al indigenismo. De Picasso se exhibe “Tres Mujeres en la primavera” (1921) y de Rivera, “Día de las flores” (1925), uno de sus más conocidos óleos.
Dos de las galerías están dedicadas en exclusiva a cada uno de los artistas. Rivera y el arte precolombino muestra cómo el artista mexicano abandona definitivamente la abstracción para emplearse en la "figuración didáctica", con referencias a las antiguas civilizaciones mexicanas. La galería dedicada a Picasso y la mitología explora cómo el artista cimentó el arte del siglo XX a través de la experimentación formal con los temas del pasado, creando imágenes personales y universales asentadas en una sensibilidad mediterránea.

Imagen:
RIVERA, Diego, Marinero almorzando, 1914. Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, Guanajuato
PICASSO, Pablo, L'etudiant au journal, 1913-14. The Metropolitan Museum of Art.


30 años. Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
Lugar:
Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
Dirección:
c/ Diego Rivera s/n, Álvaro Obregón, San Angel Inn, 01060 Ciudad de México, México.
Fecha:
Desde el 8 de diciembre de 2016 hasta el 5 de marzo de 2017


Cartel de la muestraLa exposición consta de 189 piezas y se enmarca en la celebración del 30 aniversario de la apertura al público de esta institución cultural. Tiene como fin reconocer la trayectoria museística de este emblemático lugar, así como la vida y obra de sus creadores y habitantes: Diego Rivera (1886-1957), Frida Kahlo (1907-1954) y Juan O´Gorman (1905-1982).
Está conformada por entre óleos de Rivera, Kahlo y O’Gorman; acuarelas; estarcidos; más de 70 fotografías, algunas de ella inéditas, y cartas originales de Kahlo a Rivera, además de objetos de arte popular, mobiliario y textiles originales.
Obras recién integradas al acervo del museo, como el conjunto de piezas arqueológicas que Rivera coleccionó y fueron entregadas en resguardo permanente por los descendientes de Emma Hurtado, última esposa del artista, o los primeros bocetos del mural de la Escalera de Honor del Palacio Nacional, que datan de 1925.
Para ahondar en el valor arquitectónico de las tres casas de los artistas, ubicadas en un mismo predio del barrio de San Ángel, en el sur de la Ciudad de México, la muestra hace también una revisión histórica del proceso constructivo y el desarrollo de las casas a través de fotografías y planos que muestran las distintas etapas por las que han transitado los inmuebles, desde ser viviendas a casas-museo.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Bears and Bones
Lugar:
Hell Gallery
Dirección:
Carrer de la Cendra 8 Bis Local 1, Barcelona, España
Fecha:
Desde el 1 de diciembre de 2016 hasta el 15 de enero de 2017


Cartel de la muestraEl ilustrador valenciano Coté Escrivá ocupa con su singular universo de ficción, las paredes de la galería.
En esta muestra el artista se sumerge en una de sus (no ocultas) pasiones, la de los Art-Toys, teniendo como protagonista de la exposición al emblemático Bearbrick de la empresa japonesa Medicom, del que hace una ácida interpretación. El Bearbrick es un ArtToy que ha sido versionado por infinidad de creativos, provenientes de disciplinas muy diversas. Dibujantes, grafiteros, diseñadores, cantantes, marcas de ropa, el universo del Bearbrick, así como sus versiones, son casi ilimitados. En la exposición, Coté nos muestra su particular visión del mismo y lo acompaña de sus más recientes creaciones.
Diseño industrial, animación, fotografía e ilustración son algunas de las disciplinas en las que se ha movido Escrivá a lo largo de su carrera, trabajando para marcas como Audi, Nestle o Reebok. Sus ilustraciones se nutren del ‘cartoon old school’, del street art o del universo del cómic, creaciones híbridas, entre lo artístico y lo comercial, que dan vida a un estilo personal que impacta en el espectador, con un sentimiento desconcertante de familiaridad.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Javier Calleja. Few things
Lugar:
Galería Rafael Pérez Hernando
Dirección:
Orellana, 18 - 28004 Madrid, España
Fecha:
Desde el 24 de noviembre de 2016 hasta el 21 de enero de 2017


Cartel de la muestraUna muestra individual de Javier Calleja (Málaga, 1971). Una selección de tan solo 6 pinturas de pequeño formato en las que el artista ha querido hacer un ejercicio de reducción no sólo en la táctica sino también en la técnica; así ha reducido sus últimos trabajos al ámbito de la pintura.
Pueden verse sus característicos personajes un tanto pop y surrealistas (lowbrow), que desde sus comienzos le acompañan y que él suele reservar para exposiciones fuera de España. Personajes tiernos, simpáticos e irónicos cuyas cabezas suele transformar en un ejercicio de surrealismo casi absurdo en ocasiones y acompañados por textos de la misma índole. Samuel Becket o Lewis Carrol son algunos de los autores de los que suele tomar frases y hacerlas suyas. Calleja nunca ha escondido sus referencias artísticas y siempre podemos ver en sus trabajos guiños a todos sus artistas de cabecera. Magritte, Guston, Nara o Hernández Pijuan son algunos de los muchos creadores de los que el malagueño bebe, come e incluso roba en un ejercicio de apropiación casi indebida, pero sin perder un ápice de su propio carácter y sello que ya le es característico por derecho.
En las pinturas que presenta en esta muestra el visitante puede ver cómo el artista hace uso del material con la misma delicadeza con la que afronta sus conocidas microinstalaciones, dando relevancia a la trama del lienzo que anteriormente rechazaba. Una paleta de colores ya reconocible en la que el uso de acrílico de forma fluida en capas sucesivas hace que éste parezca óleo. Personajes que nos emocionan y que bien podrían salir de películas de Miyazaki nos hacen vislumbrar que posiblemente Javier Calleja nos esté preparando para alguna aventura hacia el Sol Naciente.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Picasso y el arte románico
Lugar:
Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC)
Dirección:
Parc de Montjuïc, s/n, 08038 Barcelona, España
Fecha:
Desde el 15 de noviembre de 2016 hasta el 19 de febrero de 2017


PICASSO, Pablo. La Crucifixión, 1933. Musée Picasso de Paris (C) RMN-GRand Palais, © Sucesión Pablo Picasso. VEGAP, Madrid 2016La muestra organizada conjuntamente por el Museu Nacional d’Art de Catalunya y el Musée national Picasso-París, consta de 40 óleos, dibujos, cerámicas, esculturas y un cuadro relieve del artista malagueño que, en diálogo con las obras medievales de la colección del Museu Nacional, permiten captar las afinidades entre la obra de Pablo Picasso y el arte románico. Además, presenta una interesante selección de documentos inéditos de los archivos del artista que pertenecen al museo de París y que desvelan su interés por el arte de este período. Las piezas pueden verse en las salas de arte románico de la colección permanente del museo para explorar las influencias y afinidades entre las obras del artista malagueño y el arte de este período, que él conocía bien por su estancia en Gósol, en el Pirineo catalán y su visita al museo barcelonés en 1934.
1906 y 1934, dos fechas que marcan la relación de Picasso con el arte románico. En 1906, un momento decisivo en la transformación de su estilo, el artista se instala unos meses en el pueblo de Gòsol, en el Pirineo catalán. Casi treinta años después, en 1934, visita las colecciones de arte románico del que hoy es el Museu Nacional d'Art de Catalunya. Partiendo de estas dos fechas, la exposición gira alrededor de tres ejes temáticos: las obras realizadas entre 1906-07 y la relación con la obra Virgen y el Niño, entonces en la iglesia de Gósol (Lérida) y hoy en el MNAC; la Crucifixión, tema que Picasso trató especialmente entre 1930 y 1937; y la calavera, un motivo muy presente en la colección románica del museo.
La exposición no pretende establecer una relación mecánica entre las obras románicas y las de Picasso, ni plantea la búsqueda de una influencia directa de las unas y las otras, lo que se intenta es captar las posibles afinidades que se pueden establecer entre ellas.

Imagen:
PICASSO, Pablo. La Crucifixión, 1933. Musée Picasso de Paris (C) RMN-GRand Palais, © Sucesión Pablo Picasso. VEGAP, Madrid 2016.


Ramon Casas: la modernidad anhelada
Lugar:
Museu de Maricel de Sitges
Dirección:
c/ Davallada, 12, de Sitges, Barcelona, España
Fecha:
Desde el 16 Noviembre de 2016 hasta el 19 Febrero de 2017


Cartel de la muestraSe trata de la exposición central del Año Ramon Casas, que conmemora el 150 aniversario del nacimiento del pintor.
La muestra, está organizada en cinco ámbitos temáticos: La construcción de una identidad artística; La poética de la multitud; La paradoja del artista moderno; La pulsión bohemia e Identidades ambivalentes. Con la presencia de obras de otros artistas, el recorrido se plantea como un juego de espejos, un camino de doble recorrido, que permite visualizar las influencias, analogías e intereses comunes que existieron entre Casas y otros autores contemporáneos. Por ello, sus obras se presentan relacionadas con obras de artistas como Carolus-Duran, John Singer Sargent, Antoni Caba, Thomas Couture, Francesc Masriera, Romà Ribera, Toulouse- Lautrec, Santiago Rusiñol, Joaquin Sorolla Joaquim Torres-Garcia, Julio Romero de Torres, Anders Zorn o Pablo Picasso, entre otros. Las realizaciones fotográficas de Frederico Ballell, Antoni y Josep Esplugas, entre otros, enriquecen el recorrido y permiten entender la existencia de intereses compartidos entre la pintura y la fotografía. De la misma forma, todo este material también nos acerca a la influencia formal y compositiva que la fotografía ejerció sobre la obra de Casas. Los encuadramientos, los puntos de vista, las visiones aéreas son algunos de los préstamos incorporados por el pintor.
Está formada por una selección de 178 obras entre pinturas, dibujos y carteles. Especialmente relevante es la presencia de un grupo numeroso de fotografías de época que ayudan a enmarcar su obra dentro el contexto social y cultural del periodo en que vivió.
Las obras proceden de colecciones privadas, así como préstamos de museos nacionales y extranjeros como: el Museu del Cau Ferrat de Sitges, el Museu Nacional d’Art de Catalunya, la Colección Carmen Thyssen, el Museo Nacional del Prado, el Museu Picasso de Barcelona, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo de Bellas Artes de Córdoba, el Museu de la Garrotxa, Museu de Montserrat, Museu del Modernisme de Barcelona, el Institut Amatller d’Art Hispànic, el Museu d’Arts Escèniques, el Museu d’Art de Sabadell, el Museu d’Història de Barcelona (MUHBA), el Museo d’Orsay, el Museo Picasso de París, el Museo de los Agustinos de Toulouse, el Museo de Bellas Artes de Burdeos, el Museo de Versalles y la Galería de los Uffizi de Florencia.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Toni Catany. Cuando ir era volver
Lugar:
Sala Canal de Isabel II
Dirección:
C/ Santa Engracia, 125. 28003 Madrid, España
Fecha:
Desde el 16 de noviembre de 2016 hasta el 15 de enero de 2017


CATANY, Toni, Niño, Ibiza, 1967 © Fundación Toni Catany, 2016Se trata de una retrospectiva que revela a un Toni Catany (Mallorca, 1942 – Barcelona, 2013), diferente de la visión tradicional que la historiografía fotográfica le ha venido otorgando. Está realizada en colaboración con la Fundación Catalunya – La Pedrera y la Fundación Toni Catany, que conserva el archivo y la colección del fotógrafo. La muestra consta de 140 fotografías, algunas de ellas inéditas para el gran público. La exposición hace un repaso desde sus primeras imágenes de 1967, pasando por una de sus últimas series, Altares profanos de 2009, hasta sus últimos bodegones en 2012. Para los comisarios, Alain D’Hooge y Antoni Garau, la vida y la obra de Toni Catany se podrían definir como una incesante sucesión de idas y venidas, entre Llucmajor y Barcelona, entre el Mediterráneo y el resto del mundo, entre el interior y el exterior, entre los proyectos y los recuerdos, entre los procesos fotográficos del pasado, como el calotipo o el heliograbado y las tecnologías actuales, como la polaroid transportada. Para Catany salir de viaje era como volver a encontrarse con uno mismo, un viaje al interior de los temas que le apasionaban: naturalezas muertas, retratos o paisajes urbanos. Todo ello consigue despertar en el espectador un hambre de belleza y de viaje, de la que todo visitante a la muestra podrá disfrutar.

Imagen:
CATANY, Toni, Niño, Ibiza, 1967 © Fundación Toni Catany, 2016.


La Moda romántica
Lugar:
Museo Nacional del Romanticismo y Museo del Traje. CIPE
Dirección:
C/ San Mateo, 13 28004 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 25 de octubre de 2016 hasta el 8 de enero de 2017


Traje de baile en seda de color azul con aplicaciones de encaje. 1860-1865. Museo del Traje CIPE. Imagen © Pablo Linés ViñualesLa muestra, enmarcada en el periodo comprendido entre 1828 y 1868, supone un punto de inflexión en la historia del traje. Se acentúan los signos diferenciadores de género: atuendo sobrio y de hechuras funcionales para el hombre, e hiperdecorativo y paralizante para la mujer; el teatro, el espectáculo, influyen notablemente en la configuración de los ideales de belleza y elegancia; y las revistas de moda contribuyen decisivamente a democratizar la indumentaria y a introducir una moda internacional
La exposición comprende 22 modelos de indumentaria del siglo XIX procedentes del Museo del Traje y del Museo del Romanticismo entre los que cabe destacar la levita que perteneció al escritor Mariano José de Larra. Además, también se exponen fotografías estereoscópicas con imágenes de comercios y talleres de la época e imágenes de las revistas de moda del momento. Los trajes están expuestos y contextualizados en las distintas salas del Museo que recrean las estancias de un palacete de la época.

Imagen:
Traje de baile en seda de color azul con aplicaciones de encaje. 1860-1865. Museo del Traje CIPE. Imagen © Pablo Linés Viñuales.


Pintar la Revolución: Modernismo Mexicano, 1910-1950
Lugar:
The Philadelphia Museum of Art
Dirección:
2600 Benjamin Franklin Parkway, Philadelphia, PA 19130, EE.UU.
Fecha:
Desde el 25 de octubre de 2016 hasta el 8 de enero de 2017


KAHLO, Frida, Autorretrato en la frontera entre México y Estados Unidos, 1932, óleo sobre metal, 31.8 × 34.9 cm., Colección María y Manuel Reyero, Nueva York, © Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, Ciudad de México / VEGAP, Madrid, 2016El Philadelphia Museum of Art, en colaboración con el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, presenta esta exposición histórica que reúne obras de colecciones estadounidenses como mexicanas, constituyendo así la exposición del arte moderno mexicano más completa que se ha montado en los Estados Unidos en más de siete décadas.
La muestra ofrece una visión trascendente de los hechos que configuraron el arte moderno en México, cuyo desarrollo fue observado por el mundo entero. La exposición toma su nombre de un apasionado ensayo escrito por el novelista estadounidense John Dos Passos, quien contempló los murales de tema revolucionario durante su visita a la Ciudad de México entre 1926–1927.
Además de presentar murales portátiles, pinturas de caballete, fotografías, obra gráfica, libros y publicaciones periódicas, la exposición mostrará murales en formato digital de los llamados Tres grandes (Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros).

Imagen:
KAHLO, Frida, Autorretrato en la frontera entre México y Estados Unidos, 1932, óleo sobre metal, 31.8 × 34.9 cm., Colección María y Manuel Reyero, Nueva York, © Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, Ciudad de México / VEGAP, Madrid, 2016.


Dalí, el sueño del clásico
Lugar:
Palacio Blu de Pisa
Dirección:
Lungarno Gambacorti, 9, 56125 Pisa PI, Italia
Fecha:
Desde el 1 de octubre de 2016 hasta el 5 de febrero de 2017


Salvador, Sin Título. Moisés según El sepulcro de Julio II, 1982, oleo sobre tela, 100 x 100 cm., Fundació Gala-Salvador Dalí, FigueresLa muestra está compuesta por 149 obras; 22 pinturas, 100 estampas de la serie "La Divina Comedia" y 27 ilustraciones para la "Autobiografía de Benvenuto Cellini". Abarca desde 1945 hasta 1982. En ella podemos ver la relación íntima del célebre artista con Italia y, en particular, con los grandes maestros del Renacimiento.
La selección de óleos muy poco conocidos, que nunca antes habían sido expuestos, que corresponden a interpretaciones de obras de Miguel Ángel. Ejemplos como Cristo según La piedad Palestrina, o Juliano de Medici según El sepulcro de Juliano de Medici.
Una de las obras más sorprendentes de esta exposición es Moisés según El sepulcro de Julio II, en la que Dalí separa a Moisés del entorno iconográfico original de su creador y representa con fuerza la reacción rabiosa del profeta cuando descubre que su pueblo lo ha traicionado. El patriarca bíblico de Dalí parece lleno de electricidad y de su imagen emana una energía colérica que podría pasar por un dios enfuriado del Olimpo.
La exposición descubre un Dalí poco conocido que trabaja desde el respeto absoluto por la tradición y el pasado, pero advierte al mismo tiempo de la necesidad de superarlos a través de una innovación constante, siempre dirigida hacia la contemporaneidad. Es la prueba de que detrás de la parafernalia teatral de su exuberante personalidad, se escondía un intelectual extremadamente complejo que respeta y honra a sus antecesores.
También hay algunas obras del año 1945 en las que muestra su conmoción por las consecuencias del lanzamiento de la bomba atómica y se interesa por la descomposición del átomo y por la fusión entre ciencia y religión.
Todas las obras proceden de la Fundación Gala-Salvador Dalí, del The Salvador Dalí Museum de San Petersburgo en Florida, Estados Unidos, y de los Museos Vaticanos.

Imagen:
DALÍ, Salvador, Sin Título. Moisés según El sepulcro de Julio II, 1982, oleo sobre tela, 100 x 100 cm., Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres.


Ernesto de la Cárcova
Lugar:
Museo Nacional de Bellas Artes
Dirección:
Av. Del Libertador 1473, Cdad. Autónoma de Buenos Aires, Argentina
Fecha:
Desde el 8 de noviembre de 2016 hasta el 26 de febrero de 2017


CÁRCOVA, Ernesto de la, Sin pan y sin trabajo, óleo sobre lienzo, 125,5 x 216 cm., 1894, Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos AiresLa muestra que conmemora el 150 aniversario del nacimiento del artista argentino se desarrolla en las salas 29 y 30 del Museo.
En la primera, se recrea la exposición “Ernesto de la Cárcova”, organizada en Amigos del Arte en 1928, que reunió gran parte de sus trabajos. Además de la conocida obra Sin pan y sin trabajo (1894), se exhiben los estudios técnicos sobre esta pintura llevados a cabo por el equipo de Gestión de Colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes y TAREA-IIPC (Instituto de Investigaciones sobre el Patrimonio Cultural de la Universidad Nacional de San Martín), que permiten apreciar las diferentes instancias del proceso creativo. Una serie de retratos, paisajes, naturalezas muertas, medallas, dibujos y documentación vinculada con la muestra de la década de 1920 completan el conjunto. En la segunda, se relata la trascendencia que alcanzó Sin pan y sin trabajo, a partir de obras de artistas como Tomás Espina, Antonio Pujia, Carlos Alonso, Gustavo López Armentía y el Grupo de Arte Callejero (GAC), quienes citaron la pintura de De la Cárcova en sus propias producciones, de las publicaciones que la reprodujeron en sus páginas, y de las múltiples reapropiaciones que atravesó, en diversos contextos, desde su creación.

Imagen:
CÁRCOVA, Ernesto de la, Sin pan y sin trabajo, óleo sobre lienzo, 125,5 x 216 cm., 1894, Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.


Mexique (1900–1950)
Lugar:
Grand Palais de París
Dirección:
3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris, Francia
Fecha:
Desde el 5 de octubre hasta el 23 de enero de 2017


Cartel de la exposiciónLa muestra presenta 200 obras de 60 artistas, plasmando un amplio abanico donde figuran grandes nombres como Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco o Manuel Álvarez Bravo, como otros supuestamente secundarios, además de representantes de corrientes estéticas semiolvidadas y de colectivos poco favorecidos por el canon del arte. Se trata de una gran exposición que dirige una mirada renovada al arte mexicano en la primera mitad del siglo pasado, durante la eclosión de las vanguardias pictóricas, para dar a conocer su cara oculta.
La exposición derriba todos los tópicos sobre el arte de ese momento histórico. Demuestra que el indigenismo no arrancó con la Revolución de 1910, como tampoco la sensibilidad social de los artistas mexicanos. Aclara que hubo otras mujeres artistas al margen de Kahlo como Dolores Olmedo, Tina Modotti, Nahui Olin, Rosa Rolanda, Lola Álvarez Bravo o María Izquierdo. Y que no todos los pintores fueron muralistas que desdeñaron el caballete como instrumento burgués. También corrobora que los modernistas mexicanos no se limitaron a copiar a los maestros europeos. El arte fue utilizado para reforzar el sentimiento de pertenencia a un pueblo que empezaba a constituirse en nación. Mientras los sublevados luchaban por la repartición ecuánime de las tierras y salarios dignos, la pintura también se ponía a hablar el lenguaje de la utopía.
La muestra también subraya la influencia del arte mexicano en el extranjero. El país no tardará en convertirse en lugar de peregrinaje de vanguardistas europeos y beatniks estadounidenses. Por otra parte, el New Deal de Roosevelt adoptó el muralismo mexicano, promovido por el ministro José Vasconcelos, como un modelo a seguir para la promoción de la equidad social. Los encargos a Rivera y Siqueiros en Nueva York y Los Ángeles fueron borrados con cal viva al descubrir sus motivos, excesivamente perturbadores en territorio estadounidense: el segundo llegará a pintar un indio crucificado por el imperialismo del vecino gringo, sobre un fondo compuesto por ruinas mayas. Sin embargo, esos murales abrirán camino hacia el desarrollo del muralismo chicano, tal vez la piedra fundacional de lo que hoy conocemos como street art.

Imagen:
Cartel de la exposición.


Otto Dix. Violencia y pasión
Lugar:
Museo Nacional de Arte (MUNAL)
Dirección:
Calle Tacuba 8, Cuauhtemoc, Centro Histórico, Ciudad de México, D.F.
Fecha:
Desde el 11 de octubre de 2016 hasta el 15 de enero de 2017


DIX, Otto, La guerra, óleo sobre lienzo 204 x 204 cm., 1929-32, Gemäldegalerie Neue Meister, Dresde, AlemaniaMás de 150 cuadros y trabajos sobre papel de la Primera Guerra Mundial, pasando por los trepidantes años veinte, hasta llegar al neoexpresionismo después de 1945, es lo que compone la gran exhibición del pintor alemán en México, que ofrece una mirada amplia en la obra completa de este grandioso realista.
La cronología de las obras abarca de 1913 a 1969, siempre con imágenes críticas hacia los sistemas políticos totalitarios, los horrores de la guerra y la miseria humana.
De la etapa de la Primera guerra Mundial se observan imágenes de soldados muertos, calaveras, animales en descomposición,... obras que prueban el estrés postraumático que sufrió Dix.
Ningún otro pintor encarna en su biografía y en su arte el siglo de los extremos en Europa, el cual dejó una marca decisiva en Alemania con dos guerras mundiales la cultura de la República de Weimar y la división política después de 1945. Siendo tanto un afectado como un observador, el grandioso realista adoptó una postura crítica frente a su época y rindió testimonio en cuadros que sacuden al espectador.
Expresionista, dadaísta o un maestro antiguo, pintor propagandista y ecléctico, fanático de las observaciones y visionario, moralista y cínico, Otto Dix fue esto y mucho más. Sin embargo, este artista excepcional alemán fue ante todo otra cosa: un realista, un contemporáneo y testigo de su época, un afectado y un observador. En su vida atravesó casi todas las estaciones del siglo de los extremos.
Organizada en coordinación con el Museo Nacional de Arte y el Goethe-Institut Mexiko, bajo la curaduría de Ulrike Lorenz. Se trata de la primera gran retrospectiva en México de Otto Dix (1891-1969), uno de los artistas alemanes más importantes del siglo XX, representante del realismo crítico y la nueva objetividad.

Imagen:
DIX, Otto, La guerra, óleo sobre lienzo 204 x 204 cm., 1929-32, Gemäldegalerie Neue Meister, Dresde, Alemania.



...y además

Fin de partida: Duchamp, el ajedrez y las vanguardias
Desde el 29 de octubre de 2016 hasta el 22 de enero de 2017
http://www.fmirobcn.org


CARtoons: Art of American’s car culture
Desde el 16 de julio de 2016 hasta el 2 de enero de 2017
http://www.lacma.org


Picasso. Mano erudita, ojo salvaje
Desde el 14 de de diciembre de 2016 hasta el 5 de marzo de 2017
http://www.ccplm.cl

Remedios Varo: Apuntes y anécdotas de una colección
Desde el 10 de septiembre de 2016 hasta el 1 de febrero de 2017
http://www.inba.gob.mx

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