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AGENDA DE EXPOSICIONES

Books beyond Artists
Lugar:
Ivorypress Space
Dirección:
c/ Comandante Zorita, 48 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 24 de febrero hasta el 9 de mayo de 2015


Novel•la, Antoni Tapiès, 1965, Cortesía de Fundació Tapiès.La exposición contará con ediciones provenientes de colecciones privadas como las de Ben Brown (Reino Unido), Jean-Claude Meyer (Francia), Thaddaeus Ropac (Francia/Austria), Norman y Elena Foster (Suiza/EE. UU.), Archivo Lafuente (España) y Ivorypress (España), entre otras; estudios de artistas como los de Olafur Eliasson (Alemania), Roni Horn (EE. UU.), Jenny Holzer (EE. UU.), Miquel Barceló (Francia) y Peter Sacks (EE.UU.), y diversas instituciones y entidades como el Victoria and Albert Museum (Reino Unido), la Fundació Antoni Tàpies (España) y el Brodsky Center (EE. UU.), entre otras.
Se expondrán también libros de artista publicados en las últimas décadas por editoriales como Toluca (Francia), Onestar Press (Francia), RVB Books (Países Bajos) Lecturis Books (Países Bajos), Steidl Verlag (Alemania), Turner Libros (España) y Limited Editions Club (EE. UU.), además de los editados por Ivorypress.
Estarán presentes libros objeto o ediciones muy reducidas realizadas por artistas contemporáneos como Paul McCarthy o Anselm Kiefer, que convivirán con libros pictóricos y escultóricos donde el texto es mínimo o inexistente. Son obras que dejan todo el protagonismo a la imagen, a la escultura o a la pintura. En esta sección la muestra contará con ediciones realizadas por Francisco de Goya, William Kentridge o Anthony Caro, entre otros. Además la exposición incluirá libros de artista realizados por figuras del arte contemporáneo como Louise Bourgeois o Damien Hirst.
En algunos de los ejemplares, el diseño y los materiales escogidos son el centro de atención. Desde el plegado del papel en libros como los de Ed Ruscha, John Baldessari, Lucio Fontana o Hiroshi Sugimoto, hasta el uso de materiales naturales como en la edición de Richard Long. En otros, en cambio, el libro se convierte en vehículo para expresar una protesta o manifiesto, como en el caso de las obras de Filippo Tommaso Marinetti, Santiago Sierra o Martin Parr. La muestra cuenta también con libros en los que la palabra es la única protagonista, como en aquellos de Jenny Holzer o Isidoro Valcárcel Medina.
Otra línea de creación que aparece con frecuencia en los libros de artista es aquella en la que se establece un diálogo entre la literatura y las artes plásticas. Colaboraciones históricas entre artistas y poetas como el libro de Aleksandr Ródchenko realizado junto a Vladímir Mayakovski y otros ejemplos que ilustran o dan forma material a textos literarios de escritores como Octavio Paz o Stéphane Mallarmé de la mano de pintores como Robert Motherwell o Balthus.
Finalmente, el fotolibro también estará representado en la exposición Books beyond Artists con obras de diversas épocas, de artistas tales como Henri Cartier-Bresson, Sophie Calle, Miguel Rio Branco o Ai Weiwei.

Imagen:
Novel-la, Antoni Tapiès, 1965, Cortesía de Fundació Tapiès.


John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742
Lugar:
La Térmica
Dirección:
Av. de los Guindos, 48 29004 Málaga, España.
Fecha:
Desde el 23 de enero hasta el 23 de marzo de 2015


VAGNINI, Bruno,  John & Yoko en la habitación 1742 del Hotel Queen Elizabeth de Montreal, 31 de mayo de 1969La exposición, compuesta por treinta imágenes, recoge las míticas fotografías que Bruno Vagnini realiza el 31 de mayo de 1969 que documentan el ‘Bed-In’ desarrollado en la habitación 1742 del Hotel Queen Elizabeth de Montreal por John Lennon y Yoko Ono por la paz.
Esta segunda happening-protesta llevada a cabo por la pareja contra la Guerra de Vietnam, se produce después de la primera, una semana antes en Amsterdam, justo tras su boda en Gibraltar. En la ‘Bed-In’ de 7 días (del 26 de mayo al 2 de junio) de Montreal es en la que se graba y retransmite a todo el mundo la mítica canción pacifista ‘Give Peace A Chance’.
Concebida como una gran instalación la muestra está formada por tres espacios claramente diferenciados:
El primer espacio nos introduce en las creaciones conceptuales de John Lennon y Yoko Ono. Iincluye, además de 2 monitores con fragmentos de las películas y creaciones musicales experimentales de John & Yoko, varias vitrinas con objetos, libros y documentos. Destacan los elementos que componen el disco conceptual realizado por ambos llamado “The Wedding Album”, a finales de ese mismo año, 1969. El disco más atractivo desde el punto de vista objetual, y el más vinculado a la exposición, en tanto que incluye, no solo las fotografías de la boda en Gibraltar y el bed-in que antecedió al de Toronto en el Hotel Hilton de Amsterdam, sino también entrevistas y comentarios de esa experiencia, varias fotografías sueltas, un dossier de prensa, dibujos de Lennon, copia del certificado de matrimonio y hasta un trozo de la tarta de bodas en una bolsa de plástico con la palabra “bagism”.
Acompañan esta documentación las fotografías de John y Yoko y de la Plastic Ono Band, de Andrew MacLear, y elementos de la trayectoria conceptual de Yoko Ono anterior a su encuentro con John Lennon a finales de 1966 en la Indica Gallery de Londres; de Lennon (músico, poeta, dibujante, más tarde artista conceptual), en las artes plásticas; y de ambos como grupo artístico conceptual.
En el segundo espacio se incluyen el texto introductorio de Yoko Ono en el que habla 44 años después sobre ese happening junto a la serie de instantáneas de Bruno Vagnini tomadas en la Suite 1742 del Hotel Queen Elizabeth en Montreal.
Finalmente, el tercer y último espacio es el que muestra una blanquísima e inmaculada cama de matrimonio sobre la que se proyecta el vídeo “Give Peace a Chance” y el documental “Bed Peace” grabado en aquellos días. Encabezan dicho lecho una instalación repetitiva con los carteles creados con la leyenda en blanco y negro “War Is Over!”.

Imagen:
VAGNINI, Bruno, John & Yoko en la habitación 1742 del Hotel Queen Elizabeth de Montreal, 31 de mayo de 1969.


Los Silencios de Colón de Cristóbal Gabarrón
Lugar:
China Art Museum de Shanghai
Dirección:
Pudong, Shanghai, China.
Fecha:
Desde el 16 de enero hasta el 16 de julio de 2015


Cartel de la muestraLa serie escultórica 'Los Silencios de Colón' rinde tributo a los silencios o misterios en torno a la figura del explorador y navegante Cristóbal Colón. Trata de diez obras cargadas de simbolismos con el fin de generar una inquietud en el espectador. Fue creada por Gabarrón en 2006 y desde entonces ha recorrido el planeta mostrándose en emblemáticos lugares como el Paseo del Prado de Madrid o el Central Park y Broadway de Nueva York.
Estas piezas que componen la muestra juegan con el entorno urbano, adaptándose a las formas y colores más variados. La monotonía y la ausencia de color tienen sus contrapuntos en estas obras que, bajo el estándar de la cultura y el conocimiento de los significados de un esquema y una forma abierta y libre, invita al espectador a reflexionar, a abrir un breve paréntesis en su rutina diaria y a observar cómo el arte rompe con los muros de la intransigencia e intolerancia.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Goya: Orden y Desorden
Lugar:
Museum of Fine Arts, Boston (MFA)
Dirección:
Avenue of the Arts 465 Huntington Avenue Boston, Massachusetts 02115, EE.UU.
Fecha:
Desde el 12 de octubrere de 2014 hasta el 19 de enero de 2015


GOYA, Francisco de, Gigante sentado, 1818, Katherine E. Bullard Fund in memory of Francis BullardSe trata de una de las retrospectivas más importantes que se han hecho en EE.UU. sobre Francisco Goya (1746-1828). La muestra reúne más de 160 pinturas, grabados y dibujos y ofrece una oportunidad única para contemplar la capacidad creativa y la mirada del artista a lo largo de su trayectoria.
El discurso expositivo de la muestra se estructura en ocho secciones que destacan los temas más relevantes que captaron la atención y la imaginación del genio. El primer apartado, Goya se mira así mismo, contiene un amplio grupo de autorretratos. Destaca el grabado del MFA El sueño de la razón produce monstruos, de su serie Caprichos (1797-99).
En la sección dedicada a la representación de las etapas de la vida de Goya, Estudios de la vida, la exposición explora cómo el artista transforma la observación de la fragilidad humana, creando alegorías sobre la vanidad y el paso del tiempo.
En la tercera sección, Juego y Caza, el proceso creativo de Goya se pone de manifiesto en representaciones de un juego popular en el que mujeres jóvenes tiran en una manta a un maniquí bien vestido; también explora las famosas imágenes de hombres dedicados a la caza y al toreo. En estas obras, que incluyen ejemplos de las series de grabados La Tauromaquia y los Toros de Burdeos, el artista celebra ambas actividades mientras también retrata sutilmente sus lados oscuros.
En la sección En equilibrio se muestra como la frágil relación entre el orden y el desorden, el equilibrio y el desequilibrio, es fundamental en la obra de Goya. El tema aparece de forma realista en imágenes que reflejan la impresionante fuerza de la naturaleza, figuras perdiendo su equilibrio y otras volando. El quinto apartado está dedicado a los Retratos, con los que el pintor obtuvo gran fama entre los años 1780 y 1790. Las pinturas del Duque de Alba (1795, Museo Nacional del Prado) y la Duquesa de Alba (1797, Hispanic Society), mostrados juntos por primera vez desde principios del siglo XIX, son magníficos ejemplos de sus retratos aristocráticos e ilustran a dos de sus mecenas más importantes.
Otros Mundos, Otros Estados ofrece dos facetas de las exploraciones espirituales de Goya, su creencia en la religión cristiana y la superstición. Por otro lado, la conciencia de los eventos históricos más importantes impregnan la obra de Goya, que puso especial atención a las víctimas anónimas de los horrores de la Guerra o de la Inquisición, lo que se muestra en Capturando la Historia.
La última sección de la muestra, Solo Goya, resume las características que establecen la grandeza del artista –explorando temas como las imágenes de Goya de enjambres de figuras humanas, así como su reflexión periódica sobre el concepto de la redención. El mismo artista que opinó sobre los abusos de la guerras también podía evocar los momentos más simpáticos y emotivos de la experiencia humana, como La última comunión de San José de Calasanz (1819, Colección de los Padres Escolapios). El retablo representa a José de Calasanz, originario de Aragón al igual que Goya, en su última gran obra religiosa –que visita Estados Unidos por vez primera en esta exposición.
Uno de los temas más resonantes que Goya aborda es el poder, encarnado por un personaje central: el gigante. Condicionado por los eventos de su día, particularmente por el rápido ascenso y la caída de las fortunas militares e institucionales, Goya explora cómo el poder no es necesariamente inherente, pero tiene un precio. El Coloso de Goya (1818), de la renombrada colección de grabados y dibujos del MFA, es uno de los más enigmáticos y cautivadores trabajos gráficos del artista, mostrando a una figura amenazante inmovilizada por la carga del poder.

Imagen:
GOYA, Francisco de, Gigante sentado, 1818, Katherine E. Bullard Fund in memory of Francis Bullard.


Una historia compartida. Tesoros de los Palacios Reales de España
Lugar:
Museo Calouste Gulbenkian
Dirección:
Av. de Berna 45ª 1067-001 Lisboa, Portugal.
Fecha:
Desde el 22 de octubre de 2014 hasta el 25 de enero de 2015


Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). Salomé con la Cabeza de San Juan Bautista, 1606-1607, óleo sobre tela, 114 x 137 cm. Patrimonio Nacional, Palacio Real de Madrid. © Patrimonio NacionalLa muestra reúne 141 piezas, la mayoría pertenecientes a Patrimonio Nacional, que recorren 350 años de historia. Patrimonio Nacional y la Fundación Gulbenkian organizan la exposición que plantea un recorrido a través de las colecciones reales españolas, desde la Edad Media hasta el primer cuarto del siglo XIX, en el que se abordan las principales circunstancias que condicionaron su evolución y enriquecimiento y las relaciones políticas y matrimoniales que se sucedieron entre los dos reinos ibéricos.
En este devenir jugaron un importante papel las relaciones familiares y políticas entre las casas reinantes en ambos países. Éstas cobran una especial dimensión en su discurso mediante obras vinculadas directamente a Portugal, pertenecientes en su mayor parte a miembros de la Familia Real lusa emparentados con la española, como los casos destacados de la emperatriz Isabel o las reinas Bárbara e Isabel de Braganza, mujer de Fernando VII y gran impulsora de la fundación del Museo del Prado.
Consecuencia de estas relaciones es una historia compartida que incluso llegó a la unificación de ambas coronas entre 1580 y 1640. Para ello se ha recurrido a una selección de 141 obras, de las cuales 133 pertenecientes a Patrimonio Nacional como organismo custodio del legado histórico de la Corona.

Imagen:
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). Salomé con la Cabeza de San Juan Bautista, 1606-1607, óleo sobre tela, 114 x 137 cm. Patrimonio Nacional, Palacio Real de Madrid. © Patrimonio Nacional.


Las ánimas de Bernini. Arte en Roma para la corte española
Lugar:
Museo Nacional del Prado
Dirección:
Calle Ruiz de Alarcón 23, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 6 de noviembre de 2014 hasta el 8 de febrero de 2015


BERNINI, Gian Lorenzo, Anima Beata, 1619, mármol blanco, 41,5 x 29 x 24 cm. Roma, Embajada de España ante la Santa Sede. Fotografía: Carolina MarconiSe trata de la primera exposición dedicada a Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598- Roma, 1680), uno de los artistas más influyentes del siglo XVII. Desarrolló facetas de escultor, arquitecto, pintor, diseñador de fiestas y ceremonias, fuentes en España. y otros repertorios ornamentales. La muestra pone un especial énfasis en la relación de Bernini con personalidades españolas y, especialmente con Felipe IV y Carlos II, y pone en valor, desde el punto de vista histórico y artístico, el papel jugado por la Monarquía Hispánica y sus embajadores en Roma en la producción del artista. Las complejas relaciones diplomáticas y políticas de Roma con España se vieron reflejadas en los encargos a Bernini tanto de mecenas españoles en Roma (figuras tan fundamentales como el duque del Infantado, el cardenal Pascual de Aragón o el marqués del Carpio) como de la propia corona. Tienen que ver, muy especialmente con que Felipe IV buscara una presencia diplomática, religiosa y política en Roma, y financiara obras en algunas de las basílicas más simbólicas, desde San Pietro a Santa Maria Maggiore, así como se hicieran encargos para El Escorial o el Real Alcázar de Madrid. Podrán verse las dos esculturas Anima Beata y Anima Dannata, encargadas al joven artista por Pedro Foix de Montoya y conservadas hoy en el Palacio de España, sede de la Embajada de España ante la Santa Sede en Roma.

Imagen:
BERNINI, Gian Lorenzo, Anima Beata, 1619, mármol blanco, 41,5 x 29 x 24 cm. Roma, Embajada de España ante la Santa Sede. Fotografía: Carolina Marconi.


Le Corbusier. Postales: una visión del mundo
Lugar:
Palacio de Cibeles. CentroCentro
Dirección:
Plaza de Cibeles, 1. 28014 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 4 octubre de 2014 hasta el 5 de abril de 2015


Cartel de la muestraEsta exposición realiza un recorrido a través de 168 postales de la extensa colección de Charles Édouard Jeanneret-Gris (Suiza, 1887-Francia, 1965), más conocido como Le Corbusier.
Le Corbusier reunió a lo largo de su vida cerca de 2.300 tarjetas postales, que comenzó a coleccionar alrededor de 1907. Esta muestra recoge una selección de esta colección, en diálogo directo con otras fuentes que el arquitecto utilizó a lo largo de su vida para crear uno de los lenguajes más definitorios de la modernidad: croquis, cuadros, textos, fotografías y proyectos. Esta exposición revela al público el valor de un material que el arquitecto siempre conservó en la intimidad de su apartamento, sin aportar ninguna reflexión o pensamiento al respecto.
Esta exhibición ofrece una mirada espontánea, fresca y renovada sobre la extensa y multidisciplinar obra de Le Corbusier, estableciendo vínculos entre diferentes medios de trabajo, al tiempo que permite una relectura de sus fuentes de inspiración. A través de sus ojos, las postales adquieren su verdadero significado como instrumento de investigación y de aprendizaje. Más allá de su papel como un soporte capaz de fijar memorias y experiencias, éstas se convirtieron en una referencia emplazada en el centro de una constante y particular dialéctica entre el mundo real y sus propios logros, a caballo entre la tradición y la modernidad, poniendo de relieve su capacidad de síntesis.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Hiperrealismo 1967-2013
Lugar:
Museo de Bellas Artes de Bilbao
Dirección:
Museo Plaza, 2. 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 7 de octubre de 2014 hasta el 19 de enero de 2015


EDDY, Don, Sín título (4VWs), 1971, pintura acrílica sobre lienzo. 167 x 241 cm.Esta exposición constituye la primera gran retrospectiva europea del movimiento hiperrealista y reúne 68 obras procedentes de diversas colecciones realizadas por los miembros más representativos de este estilo pictórico, desde sus inicios en Estados Unidos a mediados de la década de los años sesenta hasta su posterior desarrollo internacional, que llega hasta nuestros días. Se exhiben pinturas de 34 artistas a partir de la primera generación de maestros norteamericanos –John Baeder, Tom Blackwell, Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes o Ralph Goings, entre otros– hasta diversos pintores actuales.
La muestra se distribuye por orden cronológico y comienza con los fundadores del fotorrealismo norteamericano de los años sesenta y setenta: John Baeder, Robert Bechtle, Charles Bell, Tom Blackwell, Chuck Close, Robert Cottingham, Don Eddy, Richard Estes, Audrey Flack, Franz Gertsch, Ralph Goings, John Kacere, Ron Kleemann, Richard McLean, Jack Mendenhall, David Parrish, John Salt y Ben Schonzeit. Esta sección incluye obras míticas del movimiento, como las célebres cabinas de teléfono de Estes o la iconografía de los restaurantes de comida rápida de Goings. Las dos siguientes generaciones, desde los años ochenta hasta nuestros días, representan la internacionalización del movimiento y su redefinición a partir de las nuevas posibilidades técnicas propias de la era digital: Anthony Brunelli, Davis Cone, Randy Dudley, Robert Gniewek, Gus Heinze, Don Jacot, Bertrand Meniel, Rod Penner, Bernardo Torrens, Roberto Bernardi, Clive Head, Ben Johnson, Peter Maier, Robert Neffson, Yigal Ozeri y Raphaella Spence.
Cerca de cincuenta años tras su aparición, el hiperrealismo continúa vigente en nuestros días y siguen aún en activo muchos de los pintores que dieron inicio al movimiento. A ellos se han ido sumando artistas de diversas generaciones que han dado a este estilo carácter internacional.

Imagen:
EDDY, Don, Sín título (4VWs), 1971, pintura acrílica sobre lienzo. 167 x 241 cm..



...y además

Francisco Ibáñez, el mago del humor
Desde el 12 de octubre de 2014 hasta el 18 de enero de 2015
http://www.circulobellasartes.com


Perfect Lovers. Arte en tiempos del sida
Desde el 2 de octubre de 2014 hasta el 24 de enero de 2015
http://www.fundaciosunol.org


Pierre Alechinsky
Desde el 19 de febrero hasta el 17 de mayo de 2015
http://www.circulobellasartes.com

Picasso e la modernità spagnola
Desde el 20 de septiembre de 2014 hasta el 25 de enero de 2015
http://www.palazzostrozzi.org

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