AGENDA
DE EXPOSICIONES
Frida
Kahlo y sus Fotos
Lugar:
Museo de Arte de El Paso
Dirección: 1 Arts Festival Plaza,
El Paso, TX 79901. EE.UU.
Fecha: Desde el 14 de febrero hasta el 17
de mayo de 2026
La
exposición reúne 241 fotografías provenientes del
archivo personal de la artista Frida Kahlo, uno de los grandes íconos
de la cultura mexicana. La muestra está organizada en seis ejes
temáticos: Los orígenes; La Casa Azul; La política,
las revoluciones y Diego; El cuerpo roto; Los amores; y La fotografía.
A través de estas secciones, el público podrá apreciar
la importancia que tuvo la imagen fotográfica en la vida y obra
de Kahlo, no sólo como registro, sino como un medio de expresión
íntimo y reflexivo
En ellas revela su vida de una manera profundamente humana. Son imágenes
que le hicieron a ella y que ella misma se hizo, desde su infancia,
su vida familiar, su relación con Diego Rivera y todo su entorno
cultural y creativo.
A lo largo de su vida, Frida Kahlo reunió un vasto acervo fotográfico,
muchas veces perteneciente a su entorno familiar y a Diego Rivera, que
ella misma conservó e intervino con anotaciones, reflexiones
y gestos afectivos, transformándolos en objetos profundamente
personales.
La llegada de esta muestra a la región fronteriza representa
una oportunidad única para el público de ambos lados de
la frontera. El evento forma parte de los esfuerzos del Consulado General
de México en El Paso por impulsar la difusión de la cultura
mexicana y fortalecer los lazos culturales binacionales, en colaboración
con el Museo de Arte de El Paso.
Imagen:
Frida Kahlo, fotografía de Guillermo Kahlo, 1932. Diego Rivera
& Frida Kahlo Archives.
Correspondencias.
Orozco-Eisenstein
Lugar:
Museo de las Artes (MUSA) de la Universidad de Guadalajara
Dirección: Av Juárez 975, Col
Americana, Americana, Guadalajara, Jal., México.
Fecha: Desde el 27 de marzo hasta el 2 de
agosto de 2026
Las
afinidades estéticas, la ideología y las trayectorias
de dos grandes creadores del siglo XX convergen en esta exposición.
Este diálogo inédito propuesto bajo el comisariado de
Laura Ayala Castellanos transcurre entre coincidencias temporales y
creativas que resaltan, en lo individual y en conjunto, las experiencias
del muralista jalisciense José Clemente Orozco (1883-1949) y
del cineasta soviético Sergei Eisenstein (1898-1948), quienes
en determinado momento de sus vidas se establecieron fuera de sus países
de origen durante periodos marcados por cambios y nuevos inicios.
Llevada a cabo con el apoyo de la University of Guadalajara Foundation
| USA y el Legado Grodman, en el marco de la edición 41 del Festival
Internacional de Cine en Guadalajara, la muestra logra conectar el cine
y la plástica para entablar nuevas formas de interpretación
de las propuestas de cada artista a través de fragmentos fílmicos
y de fotogramas, junto con obra pictórica, dibujos y libros.
Se incluyen piezas provenientes del Museo de Arte Carrillo Gil y del
Museo Cabañas, así como reproducciones de murales del
Antiguo Colegio de San Ildefonso, del Archivo Estatal Ruso de Literatura
y Arte, y del Film Study Center-MoMA, además de tramos de películas
de Mosfilm.
La muestra nace de una investigación profunda, alimentada por
una cuidada selección de textos, documentos y cartas personales.
Este proceso busca transformar el análisis documental en una
síntesis visual que cobra vida en la sala. Se nutre de la creatividad
y de un diálogo abierto entre las piezas de ambos artistas. El
objetivo es revelar sus puntos de encuentro, tanto estéticos
como ideológicos, explorados desde la disciplina y el sentido
del humor tan particular.
Imagen:
Vista de una de las salas de la muestra.
Artes
de la Tierra
Lugar: Museo
Guggenheim Bilbao
Dirección: Abandoibarra Etorbidea,
2. Bilbao, España.
Fecha: Desde 5 de diciembre de 2025 hasta
el 3 de mayo de 2026
La
exposición, comisariada por Manuel Cirauqui, propone una relectura
de las transformaciones que las prácticas artísticas han
experimentado en las últimas décadas sobre el trasfondo
de una crisis medioambiental cada vez más evidente e inabarcable.
Dibujando una cartografía multidisciplinar y diversa, la muestra
ofrece un inventario posible de herramientas, prototipos e hipótesis.
Estos se presentan no de manera “prescriptiva”, dictaminando
lo que debería ser hecho, pensado o sentido, sino más
bien documental, recogiendo señales del viraje que, en los últimos
60 años al menos, ha afectado a la producción estética
tanto en lo relativo a los materiales como a la conciencia sobre los
mismos. Atestiguan esta transformación un buen número
de obras históricas, reconstruidas parcial o totalmente, recreadas
o reactivadas, así como piezas contemporáneas que, lejos
de querer durar por siempre, abren camino a una economía circular
del arte. Su existencia está supeditada, así, al mantenimiento
de los ecosistemas en los que se originan y a los que volverán.
Artistas de varias generaciones del pasado reciente y pertenecientes
a muy diferentes culturas se han preguntado cómo trabajar con
la tierra cuando más necesita cuidados y reparaciones; cómo
apreciar y retribuir sus dones; cómo aprender de lo que nos brinda,
cuando parece despojada de su riqueza original. El potencial constructivo
del suelo y las sustancias que lo componen nos lleva mucho más
allá de las formulaciones clásicas de la escultura, la
arquitectura, el diseño o el paisajismo. El suelo, en un sentido
concreto, cercano y dinámico, es el escenario de incesantes comunicaciones
e intercambios, de solidaridad esencial entre especies constantemente
trascendidas por el bien del conjunto. A las obras de arte, proyectos,
documentos y objetos del saber ancestral se une, en Artes de la Tierra,
una museografía que hace uso de nuevos materiales de origen local,
compostables o reciclados, y un enfoque innovador de la logística
expositiva, que reafirma y expande el compromiso con la sostenibilidad
del Museo Guggenheim Bilbao.
Imagen:
Frederick Ebenezer Okai, ‘Mariposa I’ (Butterfly I), 2022,
vasija de barro, malla de alambre soldada, luz y horno de leña
encendido, 299,7 x 386,1 x 137,2 cm. Cortesía del artista, ©
Frederick Ebenezer Okai, Bilbao 2025.
Thomas
Hirschhorn: My Atlas # Our Atlas
Lugar: Museo
Helga de Alvear
Dirección: Pizarro 10, Cáceres,
España.
Fecha: Desde el 14 de noviembre de 2025 hasta
el mayo de 2026
Se
trata de la primera gran antológica del artista suizo Thomas
Hirschhorn en los últimos veinte años. La exposición,
comisariada por Sandra Guimarães, directora del Museo Helga de
Alvear, traza un recorrido desde algunas de sus icónicas obras
iniciales, nunca antes expuestas, hasta las dos obras creadas específicamente
para esta ocasión, My Atlas (2025) o Gravity, Mass
and Democracy (2025). Junto a ellas se presentan Fake it, Fake
it – till you Fake it. (2024), un trabajo monumental que
se expone por primera vez en Europa y por segunda vez en el mundo, Power
Tools (2007) y el nuevo Power Tools-Workshop (2025).
My Atlas (2025) constituye una interpretación personal
del concepto de «atlas», inspirado por el Atlas Mnemosyne
de Aby Warburg, que actúa como hilo conductor al conectar no
solamente las obras del artista, sino también, y con particular
pertinencia en el contexto actual, la manera en que lo individual se
entrelaza con lo colectivo. Con esta obra, Hirschhorn revela la lógica
que subyace en su práctica artística. En sus propias palabras,
es «una declaración horizontal» desplegada en cuarenta
y cinco grandes paneles de cartón cubiertos de plástico
negro, donde se yuxtaponen imágenes de sus obras, numerados hasta
el cuarenta y tres, incluyendo dos paneles dobles. Algunos de estos
paneles se acompañan de vitrinas con piezas originales y otros
con trabajos dispuestos sobre el suelo, componiendo un «mapa»
puramente visual.
En el atrio de entrada de Casa Grande, Gravity, Mass and Democracy
(2025), obra site-specific, da forma a la complejidad ontológica
del concepto de «Masa» y a sus vínculos simultáneos
con la física y el concepto de «Gravedad», y la política
y el concepto de «Democracia». La obra, creada específicamente
para esta exposición, consiste en una red extendida horizontalmente
entre la planta baja y el primer piso, que sostiene objetos de cartón
de varios tamaños, numerados con porcentajes y encintados, algunos
de los cuales caen hacia el suelo. El público puede atravesar
la obra caminando bajo la red y observarla desde la primera planta.
En la entrada principal del museo, Fake it, Fake it – till
you Fake it. (2024) adquiere una nueva relevancia a la luz de la
actual redefinición política. Esta obra levanta cuestiones
sobre la labor de la práctica artística en tiempos de
guerra. Explora la delgada línea que separa el mundo «virtual»
del mundo «real», ofreciendo una respuesta visual a una
cuestión crucial hoy en día: «¿cómo
seguir trabajando en el mundo digital actual?» y cómo confrontarlo
con un espacio expositivo analógico. Concebida como una «escultura
precaria» en cartón, con ordenadores «falsos»,
tarjetas de crédito «falsas» y otros elementos, esta
obra subraya la importancia de la elección del material en su
dimensión plástica. Cuestiona la influencia de las redes
sociales, el metaverso, la IA y la ideología del «finge
hasta que lo consigas» (fake it till you make it).
Como parte integrante de la exposición, el artista reconfigura
la obra Power Tools (2007), de la Colección Helga de
Alvear, en un espacio expositivo más amplio que incorpora Power
Tools-Workshop (2025), pensado como un taller que busca la implicación
del público e invita a los visitantes a trabajar con libros,
materiales y herramientas para crear y construir nuevas producciones.
Esta obra no solo se afirma como forma, sino que se expande, alimenta
la participación activa y nos brinda los medios para forjar nuestro
propio mundo.
Imagen: Thomas
Hirschhorn, Fake it, Fake it – till you Fake it, 2024.
Yoko
Ono. Insound and Instructure
Lugar: MUSAC
Dirección: Avenida de los Reyes Leoneses,
24, León, España.
Fecha: Desde el 8 de noviembre de 2025 hasta
el 17 de mayo de 2026
![Yoko Ono, RAYOS DE LA MAÑANA [MORNING BEAMS] 1997. Instalación, cuerdas de poliéster y metal 600 x 600 x 900 cm.](musac_yoko_ono.jpg)
La
muestra, comisariada por Álvaro Rodríguez Fominaya, Jon
Hendricks y Connor Monahan, reúne más de ochenta piezas
que permiten recorrer más de seis décadas de trayectoria
de Yoko Ono, figura esencial en la historia del arte contemporáneo,
pionera del arte conceptual, la performance y el cine experimental;
música y activista por la paz. En ella pueden verse desde sus
célebres obras de principios de los años sesenta hasta
proyectos recientes que subrayan la vigencia de su pensamiento.
El título de la muestra tiene su origen en un concierto y una
exposición que la artista celebró el 20 de julio de 1964
en la sala Yamaichi de Tokio. Los dos términos reflejan sus formas
de integrar el sonido y las instrucciones en su práctica artística.
El punto de partida de muchas de las creaciones de Ono son, precisamente,
sus instrucciones: piezas de texto que invitan al lector a imaginar,
experimentar, realizar o completar la obra. Son las ideas, más
que los materiales, las que integran la esencia de su producción
artística.
A principios de la década de 1960, el loft de Ono del 112 de
Chambers Street de Nueva York se convirtió en un centro vital
del arte experimental, donde comisarió junto a La Monte Young
una serie de innovadoras performances. Las actividades de Chambers Street
cimentarían las bases del movimiento Fluxus, en cuyo desarrollo
Ono desempeñó un papel fundamental junto a George Maciunas.
La exposición pone de relieve su influencia como pionera de la
performance, el cine experimental, el arte conceptual, la instalación
y la participación del público.
En 1964, Ono publicó POMELO [GRAPEFRUIT], una recopilación
seminal de más de 200 instrucciones que invitan a los espectadores
a ejecutar las obras con su propia participación. Algunas de
las creaciones presentadas en esta muestra tienen su origen en POMELO;
otras, en cambio, pertenecen a las décadas posteriores, cuando
Ono abrió su visión artística al activismo y comenzó
a abordar temas como el feminismo, la paz y el medioambiente desde un
incansable espíritu de experimentación e investigación.
Imagen:
Yoko Ono, RAYOS DE LA MAÑANA [MORNING BEAMS] 1997. Instalación,
cuerdas de poliéster y metal 600 x 600 x 900 cm.
Miró
y los Estados Unidos
Lugar: The
Phillips Collection (Washington)
Dirección: 1600
21st St NW, Washington, DC 20009, Estados Unidos
Fecha: Desde
el 21 de marzo hasta el 5 de julio de 2026
La
exposición, comisariada por Marko Daniel, Matthew Gale y Dolors
Rodríguez Roig por parte de la Fundació Joan Miró,
en colaboración con Elsa Smithgall de The Phillips Collection,
muestra el diálogo artístico a través del cual
Miró interactuó con sus colegas americanos, con una selección
de más de 130 obras de colecciones americanas y europeas, así
como del propio fondo de la Fundació Joan Miró, tanto
de Miró como de una gama de artistas de diferentes generaciones.
A través de este intercambio, la exposición reconfigura
la comprensión del lugar que ocupa la obra de Miró en
la historia del arte: el foco habitual sobre Francia se desplazará,
y Estados Unidos se situará como un eje central en su evolución
artística.
En una secuencia cronológica amplia, que incluye presentaciones
en profundidad y específicas de cada soporte, Miró y los
Estados Unidos cuenta la historia de esas interacciones entre 15 salas.
Reúne conversaciones artísticas a través de una
selección de obras y contactos con más de cuarenta artistas
de diferentes generaciones.
En el centro de la muestra se sitúa el periodo determinado por
las dos retrospectivas de Miró en Nueva York, en 1941 y 1959,
y las siete visitas que el artista hizo a Estados Unidos entre 1947
y 1968, que le permitieron extender conexiones que se remontaban a amistades
formadas en la década de 1920 hasta un compromiso continuo que
llegó hasta el final de su vida.
Imagen:
Cartel de la muestra.
Jannis
Kounellis. Laberinto sin paredes
Lugar:
Es Baluard Museu d'Art Contemporani de Palma
Dirección: Plaça PortaSsanta
Catalina, 10, Palma de Mllorca, España.
Fecha: Desde el 4 de diciembre de 2025 hasta
el 30 de agosto de 2026
Esta
exposición, comisariada por David Barro, emerge como una suerte
de pecio a partir de una serie de elementos que aluden al viaje, la
migración y los medios de transporte marítimos, fundamentales
en la globalización, aunque ya casi obsoletos. Jannis Kounellis
(El Pireo, Grecia, 1936 – Roma, 2017) expresa una añoranza
por la pérdida de la dimensión poética del viaje
en la era industrial y esta muestra transmite esa sensación de
desplazamiento físico y emocional.
La instalación principal está conformada por un conjunto
de nueve velas venecianas dispuestas en forma de abanico, evocando historias
de navegación, memoria e historia. En esta obra, las velas, que
abarcan desde el siglo XVII hasta épocas más recientes,
simbolizan el patrimonio cultural de Venecia y su conexión con
el Mediterráneo, pero también la nostalgia crítica
respecto a la transformación del comercio marítimo y la
ausencia de la huella del individuo en la industria de su presente.
Estas velas son pinturas que nos recuerdan cómo los veleros eran
adornados con marcas que identificaban esos barcos y su tripulación,
en muchos casos con formas que suponían cierta protección
en su condición religiosa. Es, por tanto, una especie de lamento
y homenaje, una advertencia de que cada historia es importante.
La muestra incluye también otra serie de obras con velas que
el artista realiza años más tarde, ya entrado el siglo
XXI; por un lado, al reutilizar antiguas velas blancas mallorquinas
de algodón; por otro, unas coloridas velas italianas que se retuercen
como un escorzo caravaggiesco. Tensadas y plegadas sobre marcos de acero,
estas velas, que se muestran dobladas y con pliegues, marcadas por el
uso, conservan la memoria de su vida anterior en el mar. A través
de materiales cargados de significado, Kounellis propone una reflexión
sobre la huella humana en los objetos, pero también una reflexión
sobre la pintura y sus posibilidades. Todo ello se advierte en otra
de sus series más representativas –«Albatros»
(2001)– a partir de un conjunto de obras compuestas de secciones
rotas de un barco de madera que cuelgan suspendidas frente a placas
de acero inclinadas, evocando el desgaste y la memoria de los objetos.
Estas obras se acompañan de un enorme fragmento del lateral del
mismo barco que se impone a la mirada por su contundencia vertical.
Una vez más, en el viaje que emprende el artista está
implícita la presencia de un drama que hay que descifrar. Porque
Kounellis nunca es un artista neutro y tampoco lo son sus materiales
ni los de sus soportes. El peso, como el peso de la historia, es lo
que esconde cada material, y también la medida tiene relación
con lo que significa ser humano.
Imagen:
Jannis Kounellis, Sin título, 1969. © Estate of
Jannis Kounellis, 2025. Fotografía: Mimmo Iodice.
La
promesa de Villèlia
Lugar:
Patio Herreriano. Museo de Arte Contemporáneo Español
Dirección: Calle Jorge Guillén,
6. Valladolid. España..
Fecha: Desde el 31 de enero hasta el 7 de
junio de 2026
La
exposición, comisariada por Javier Hontoria director del Museo
Patio Herreriano, ofrece una oportunidad única para revisitar
la figura de Moisès Villèlia. Comienza cronológicamente
en 1954, con su “Homenaje a Blume”, perteneciente a la ACAC,
año importante pues hace su primera individual en el Museo de
Mataró y entabla amistad con Joan Brossa. Aunque Villèlia
no frecuentaba los corrillos artísticos, era muy respetado por
sus colegas creadores. Su obra despertó el interés de
artistas de gran relevancia, como Miró o Ferrant. Éste
último, meses antes de morir, escribió sobre la obra aún
joven de Villèlia, un bellísimo escrito del que ha sido
tomado el título de la exposición.
Villèlia perseveró en el uso de materiales “no acreditados”.
A la minuciosa talla de diferentes maderas, como cerezos, nogales, caobas
o melis, seguirán los tallos de cebolla y las fibras de chumbera,
y empiezan a abrirse también camino las cañas de arundo,
con las que se afianzará el lenguaje que le hizo tan célebre,
no sin antes haber trabajado también la materia industrial, como
el alambre de acero. No es fácil asocial los materiales a una
cronología concreta; sí conviene situarlo, en líneas
generales, en el ámbito del concentrado tratamiento de la madera,
a la que aplica leves y precisas zonas de color y que ensambla por medio
de hilos o cuerdas. Encontró su mayor fortuna en la relación
entre la línea y el espacio, que llevó a un singular refinamiento,
y en los saltos de escala mostró una destreza encomiable. A pesar
de la naturaleza prosaica del material, ya consolidado el bambú,
dotó a su práctica de una sutileza clamorosa.
Moisès Villèlia (1928-1994) fue un artista excéntrico.
Lo fue en su práctica artística y lo fue también
en su estar en el arte, en la conducción que de su trabajo hizo
en su tiempo. La suya no fue una carrera al uso, pues la pretendida
marginalidad de la que hizo gala fue motivo de delectación durante
toda su vida. Viajó mucho, supo de otras culturas y conoció
diferentes modelos de representación; hizo suyos materiales entonces
insólitos, y con ellos prefiguró formas que no solo han
dejado de ser tangenciales sino que hoy abundan en nuestro entorno artístico,
si es que no acaparan buena parte de sus parámetros formales.
Porque hoy, como es sabido, un número nada despreciable de artistas
optan por materiales precarios guiados por un interés por la
naturaleza o por mitigar los delirios de la rutilante y ruidosa tecnología.
De estos artistas ligados a una suerte de estética neo-povera
es prefiguradora la obra de Moisès Villèlia, que se adelantó
en aproximadamente una década a los propios poveras italianos
de primera generación, aunque más allá de la inclinación
compartida hacia los materiales pobres, los postulados de Villèlia
no fueron exactamente los mismos, si bien, no se alejaban de la búsqueda
de cierta verdad.
Imagen:
Vista de una de las salas de la muestra.
...y además
Yasumasa Morimura. Autorretratos a través de la historia del
arte
Desde el 14 de febrero hasta el 14 de junio de 2026
https://es.epma.art
Tracey Emin. A second life
Desde el 27 de febrero hasta el 31 de agosto de 2026
https://www.tate.org
Roman
Khimei y Yarema Malashchuk. Pedagogías de guerra
Desde el 3 de marzo hasta el 21 de junio de 2026
https://www.museothyssen.org
‘Recuperado del enemigo’. Los depósitos franquistas
en el MNAC
Desde el 19 de febrero hasta el 29 de junio de 2026
https://www.museunacional.cat
ESTHER GATÓN. Tú, tú, tú, mi incesante
Desde el 21 de marzo hasta el 13 de septiembre de 2026
https://museoph.org
